LA MESURE DE L’EXCELLENCE

Photographie : « Louis Béroud, L’Escalier de l’opéra, 1877. Huile sur toile, 65 × 55 cm. Musée Carnavalet - Histoire de Paris. ©Paris Musées / Musée Carnavalet - Histoire de Paris. »

Jusqu’au 7 septembre 2025, le musée du Petit-Palais, à Paris, présente l’exposition Worth, inventer la haute couture.

Cette rétrospective, de celui qui est appelé « le premier grand couturier », dévoile plus de 400 pièces sur 1 100 m², avec de nombreux vêtements et photographies, ainsi que des peintures et plusieurs documents sur son travail et celui de ses ateliers : de ses petites-mains qui, elles aussi, ont fait le prestige de la mode parisienne. Leur présence est prégnante le long du parcours de cette exhibition. Il est émouvant de voir les photographies d’atelier, avec des grisettes habillées parfois d’une simple blouse, penchées sur leur ouvrage aboutissant, par exemple, à des robes de cour très raffinées.

Charles Frederick Worth (1825 – 1895) se place à une époque charnière, à la fois dans la continuation et le renouveau, ce qui est vrai à toutes les périodes de la mode française. Du reste, mis à part, sans doute, une nouvelle façon d’envisager le commerce de la mode, qu’a-t-il véritablement inventé ? Quel est son apport artistique ? La ligne princesse, sans couture au niveau de la taille serait de lui. Mis à part cela, je pose sincèrement la question, car on en fait souvent un grand précurseur de la haute couture. Il est vrai que cette expression est employée surtout à partir de son époque, mais les grands professionnels de la couture existaient déjà auparavant, mais l'organisation y était différente. L’Ancien Régime était sans doute plus riche, et beaucoup de métiers s’effacèrent avec la haute-couture qui commença avec les débuts du prêt-à-porter et des grands magasins.

Photographie : « Worth, Robe de cour de Lady Curzon, vers 1900. Corsage, jupe et traîne en soie crème avec broderie zardozi en fils métalliques argentés et dorés. Fashion Museum Bath, Royaume-Uni. © Fashion Museum Bath / Photo Peter J Stone. »

Photographies ci-dessus et ci-dessous : Cette veste d’habit à la française, qui porte la griffe de Worth, a été réalisée à partir d’un habit d’homme de vers 1780. Le cartel explique que « Le modèle original a été adapté à une silhouette féminine et transformé par l’ajout d’un gilet, de garnitures et de baleines intérieures. » Les broderies sont très belles. La France excellait dans ce domaine, mais la mode de l’habit à la française passant, à partir de la fin du XVIIIe siècle, et avec les broderies, ce savoir-faire fut conservé en particulier dans les tenues féminines et dans certains habits de cérémonie. Collection privée.

Charles Frederick Worth s’inscrivait dans une nouvelle époque, dans le basculement de l’Ancien Régime vers l’époque contemporaine, avec le Second Empire, et dans une profonde mutation des métiers liés à la mode et à son industrialisation. Aujourd’hui, qui connaît les noms des grands professionnels de la mode d’Ancien Régime ? Mis à part pour la marchande de modes Rose Bertin, il est très difficile d’avoir des informations sur ceux-ci, car très peu étudiés. Pourtant, ils étaient bien plus nombreux par habitant avant Charles Frederick Worth, qu’après, et cela, dans des domaines très variés, tous liés à la mode vestimentaire, et à toutes les époques, en France et en particulier à Paris. Chaque génération possédait ses célébrités dans tous les domaines : tailleurs, couturières, coiffeurs, barbiers, marchandes de modes, teinturiers, marchands merciers, bottiers, brodeurs, orfèvres, joailliers, fabricants divers, etc. Je le répète, les métiers liés à la mode étaient aussi plus nombreux. Aujourd’hui, les informations sur les grands couturiers depuis Charles Frederick Worth sont importantes, parce que les moyens de communication le sont et les enjeux financiers aussi, plusieurs maisons de haute couture anciennes, devenues des marques de luxe, étant toujours existantes.

La distinction entre une haute et une basse coutures n’existait pas. On se contentait de distinguer des professionnels dans leur domaine.

Un autre changement important fut, qu’à partir de Charles Frederick Worth (1826 – 1895), la mode se créait beaucoup moins en binôme avec le client, le couturier s’instituant comme le créateur. Progressivement, elle s’appauvrit, se détachant de sa base qui ne devint qu’un simple consommateur, alors qu’auparavant, elle était elle-même créatrice.

Avant le Second Empire, la mode était dans les mains de toute la population, et pas seulement dans celles de quelques professionnels. Avant les années 1970, chaque gros village possédait encore son tailleur et sa couturière, ainsi que son bottier, sa mercerie, etc. C’était une affaire qui touchait toutes les couches de la société… Je me répète, mais il le faut, car j’entends si souvent dire le contraire. Bien sûr, seuls les plus riches pouvaient se permettre d’accéder à des professionnels de renom, et c’était le jeu des plus modestes de dénicher de nouveaux talents ou simplement un professionnel à l’écoute des désirs et des inventions de sa clientèle.

Il est à noter qu’aujourd’hui, certains professionnels du sur-mesure essaient d’élargir leur clientèle, notamment à travers des initiatives comme celle entreprise par Hugo Jacomet dont un des travaux consiste à permettre aux nouveaux amoureux du sur-mesure, mais sans importants moyens financiers, d’accéder à cet univers, à travers des événements comme les opérations « Premier costume sur-mesure », ou « Souliers de qualité ». Voir par exemple ici, ici et ici.

Pour en revenir à l’exposition, les vêtements présentés montrent combien, après le Second Empire et les robes à crinoline, les robes prirent en lourdeur, avec ce qui fut appelé « le style tapisser ». Par contre, des grands couturiers, comme Paul Poiret, qui débuta chez Charles Frederick Worth, furent de véritables créateurs et artistes, apportant non seulement une richesse issue du savoir-faire de l’industrie et de l’artisanat français, mais aussi beaucoup de fantaisie et d’innovation mélangées à une élégance, cette dernière étant présente aussi chez Charles Frederick Worth, comme dans toute l’histoire de la mode française qui conjuguait industrie avec artisanat, art, invention, savoir-faire, élégance et surtout humanité, car le costume n’est qu’une partie de la grammaire d’une société derrière laquelle l’être humain est toujours présent, nu, dans toute sa fragilité et sa lumière qui font l’essence de la vie.

Je viens de terminer un livre intitulé Poétique de l’Élégance qui remet au goût du jour et actualise des notions souvent oubliées qui font l’élégance française. Cet ouvrage est une étude de ces rythmes, nommée « poétique ».

Il fait 360 pages, son format est de 15,8 x 24,0 cm et il est proposé à la vente pour 29 € (frais de port offerts par Mondial Relay).

Vous trouverez ici les 30 premières pages.

Je compte l’auto-éditer en cent exemplaires, uniquement sur support papier, mais ne le ferai que si une centaine de personnes me font préalablement une promesse d’achat, simplement en écrivant « OUI » à l’adresse suivante : lamesure@lamesure.fr

Cliquer sur l’image pour avoir un agrandissement

Plein de Chic « Scène comique Créée à l’Eldorado par Mr Denizot. » « Paroles de Henry Min », « Musique de F. Wachs ». Dessin signé « H. Meyer ».

L’illustration représente le petit-crevé de la chanson. Sur les petits-crevés, voir d'autres articles de ce blog. L'un d'entre eux, aussi dessiné par H. Meyer, est le sujet de cet article.

LE REFRAIN :
« Des crevés à la mode,
Reconnaissez le Roi ;
Tout c’qui n’est pas commode
Je le porte sur moi :
Mon pantalon me gêne,
Mais il fait mon orgueil,
Et pour plaire, avec peine,
J’porte un carreau sur l’œil. »

D'AUTRES PASSAGES :
« Plein de chic et de grâce,
Je suis, mes bons amis,
Le plus grand Lovelace
Des crevés de Paris.
Brillant, oisif,
C’est positif. »
« De ma désinvolture,
Admirez le cachet
De ma noble tournure
Le modèle coquet
Je sèm’, quand je bavarde,
L’esprit à profusion ;
Aussi l’on me regarde
Avec admiration. »

Le mercredi 9 avril, la maison de vente aux enchères Ader proposera des documents d’époque sur les modes d’autrefois. Pour le plaisir, en voici quelques exemples. Cliquer sur les photographies pour accéder aux descriptions.

Le 18 octobre dernier, dans le cadre d’une vente aux enchères à l’Hôtel Drouot des anciennes collections des ducs de Fitz-James, par le commissaire-priseur Hubert L’Huillier, a été vendue une miniature ovale (6,50 x 5,50 cm) et d’époque, d’un buste de merveilleuse. Voir ici et ici. Le collectionneur l’ayant achetée, a bien voulu me la montrer. Ci-dessus la photographie de cette miniature, et ci-dessous celles du catalogue.

Il s’agit d’une merveilleuse d’époque Directoire. Elle est dans le même style que celle présentée dans cet article, avec des boucles d’oreille rondes, une haute cravate blanche et un ruban dans les cheveux rouge-sang rappelant les massacres de la Révolution. Ses cheveux (ou perruque) blonds, assez courts, tombent en « oreilles de chien » sur ses tempes (voir ici, ici et ici), caractéristique surtout présente chez les incroyables. Sa tunique est blanche, à l’antique et avec un assez profond décolleté. Sa veste est peut-être d’un style jockey très à la mode à cette époque, très courte et faisant office de soutien-gorge, à la manière de cet exemple et de celui-ci.

Ci-après un autre portrait de merveilleuse, ici gravé, avec des rubans d’un rouge-sang, le côté dramatique accentué par le collier en forme de chaîne de prisonnier. Ce dernier exemple est d’autant plus intéressant que la jeune femme mélange des éléments un peu précieux, comme la plume d’autruche de son chapeau, appelé « Chapeau à la Minerve » pour faire antique, et d’autres éléments empruntés davantage au peuple, comme le simple foulard blanc ou le tablier. À cette époque, les cheveux courts des merveilleuses et des incroyables sont une mode faisant référence soit à l’Antiquité, soit aux cheveux coupés avant la guillotine. Dans l’introduction des Mémoires de Madame Roland, édition présentée et annotée par Paul de Roux (Paris : Mercure de France, 1966 et 1986), ce dernier relate l’exécution de la révolutionnaire du parti Girondin, Mme Roland, et de son compagnon d’infortune, M. La Marche : « Après qu’on lui [à La Marche] eu coupé les cheveux, elle [Mme Roland] le regarda attentivement et lui dit : "Cela te sied à merveille, tu as en vérité une tête antique." ».

Bien parler la langue française, ce n’est pas seulement employer des phrases avec de belles tournures, de jolis mots, une grammaire et une conjugaison les plus irréprochables possible, c’est aussi bien prononcer, sans parler trop fort ou trop doucement, sans avoir de tics, avec une respiration qui ne s’entend pas, et sans ajouter dans les discours de nombreuses et semblables interjections.

De nos jours, un grand nombre de Français s’expriment en égrenant une multitude de « heu » dans leurs conversations, parfois une ou même plusieurs de ces interjections par phrase ! Je n’exagère pas du tout. Cela les fait ressembler à des bovins meuglant. Ces meuglements semblent annoncer des esprits particulièrement opaques. Pas étonnant que la plupart des Français aient réagi d’une manière aussi veule lors de la crise orchestrée autour du covid, et possèdent des dirigeants aussi mafieux, grossiers et abjects, saccageant tout. Une seconde raison à ces meuglements est sans doute le nivellement de notre culture, la perte de son intelligence poétique et de sa diversité, notamment des accents. Autrefois, une multitude d’accents s’entendaient en France. Tous n’étaient pas jolis, comme celui de ma ville de naissance qui accompagnait le parler gaga (stéphanois).

La façon de parler signifie. Évidemment, avant de changer la manière de s’exprimer, l’esprit de la personne doit s’éclairer. Sinon, même si elle arrête de meugler, elle prendra d’autres tics affichant à l’extérieur son être intérieur. Meugler est un signe de notre époque, où les Français sont élevés comme des veaux, parqués dans leurs désirs exacerbés de mouvement et leur esprit enclos dans leur ordiphone.

Un ami collectionneur, possédant de nombreuses œuvres d’art du XIXe siècle ayant pour sujet les merveilleuses et les incroyables (voir ici) et une importante collection de documents d’époque sur le Directoire, m’a fait passer ces quatre papiers d’époque de chansons sur les incroyables. Je les présente ici, ainsi que leur retranscription avec l’orthographe, la grammaire et la ponctuation utilisées.

Les deux premières sont des manuscrits de la même chanson dont il est question dans cet article, mais avec un texte entièrement visible, comme quoi elle devait être très populaire.

« Les incroyables

air : Femmes qui voulez éprouver

1er
Quand un merveilleux séducteur
en bégayant vous peint sa flamme
jurant sa Parole d’honneur
qu’il vous chérit du fond de l’âme
quand sa toilette, son maintien
semble dire : Je suis aimable
jeunes femmes, songez y bien
ce jeune homme est un incroyable

2
Mais quand pour voler chez Garchi*
écrasant la foule éperdue
sur les ailes de son wiski**,
je vois hortense demie nue
son air gai, ses deux jolis bras
cette gaze à peine visible
ses yeux sur tout disent tout bas
Madame n’est pas impossible. Bis

3
Jadis un fat au moins avait
L’air gai, l’oeil vif et plein d’audace.
quand une femme minaudait,
elle minaudait avec grace ;
mais aujourd’hui nos jeunes gens
aveugles, bossus & risibles
semblent être les impuissants
de tant de femmes très possibles. Bis

Fin »

Le reste est un couplet « d’une Épouse mécontente à son Époux » sur « le même air ».

* Les documents d’époque décrivent Garchi comme un glacier ou un café des boulevards. Il voit le jour en 1789, et se situe à l'angle de la rue de Richelieu et du boulevard Montmartre. Il est très à la mode pour ses glaces, la belle jeunesse qui le fréquente, sa beauté moderne et antiquisante et parce qu’il fait le lien entre le Palais-Royal, la rue Richelieu et les boulevards. D’abord prénommé Jardins de Frascati, il est racheté en 1792 et rebaptisé Café Frascati par un glacier napolitain du nom de Garchi. Ce café ferme en 1857. J’ai écrit des articles sur le café Frascati visibles ici, ici et d’autres informations sont présentées ici et ici.

** Attelage léger d’origine anglaise.

Le second manuscrit retranscrit la même chanson avec seulement une légère variation de l’orthographe, par exemple certains « i » sont changés en « y ».

Le troisième document est une chanson imprimée, avec partition, sans doute royaliste.

« Les JNCROYABLES

Air Du Secret.

Incroy-a-bles quel est ce mot qui est le Sens qu’on y applique Je le de-mande au premier Sot qui aime encor la ré-pu-bli-que croire aux ver-tus aux bonnes mœurs de nos O-ra-teurs pi-toy-a-bles croi-re qu’il veulent notre bonheur nous disons tous c’est incroy-a-ble nous di-sons tous c’est incroy-a-ble.

2
Braves amis ; Ecoutez moi
Laissons la tout ce bavardage
Aux lieu de tems ; un vaut je croi
Bien mieux que ce belle assemblage
Un seul peut combler tous nos vœux
Il viendra ; le fait est notable
Et lorsque nous serons heureux
Nous ne serons plus incroyables (bis »

Le quatrième document est une chanson imprimée d’influence girondine, contre les jacobins plus ‘extrémistes’, voire d’inspiration royaliste.

« La Justification
DES INCROYABLES.

Par le Cit[oy]en Joron.
Les Diamans

1
Jadis au tems des Jacobins,
Notre parure était suspecte ;
L’on nous traitait de Muscadins*,
L’on détestait nos Cadenettes**,
Autre parti veut éclater
Dans notre pays misérable,
L’on commence par nous traiter
De merveilleux et d’incroyables.

2
Incroyable voila le mot,
Que chacun répète sans cesse ;
Et de ce mot là, plus d’un Sot :
Prétend insulter la Jeunesse,
Moi, je prouve dans ma chanson
Qu’on peut sans être un agréable,
A chaque instant avec raison,
Bien dire aussi c’est incroyable.

3
Par exemple lorsque l’on voit
Nos Soldats manquer de chaussure ;
Tandis qu’un fournisseur adroit,
S’en fait payer la fourniture :
Quand certain faiseur de pamphlets,
Qui fût jadis un pauvre Diable,
Couché aujourd’hui dans un Palais,
Nous disons tout est incroyable.

4
Quand l’auteur de Cadet Roussel,
Est plus applaudis que Molière ;
Quand on veut au hardy Cromwel***,
Comparer le plât robespiere ;
Quand celui qui fit Charles-neuf****
Croit être un homme inimitable,
Quand on veut absoudre Babeuf*****,
Nous disons tout est incroyable.

5
Quand on songe qu’au Tribunale,
Où l’on entraînait l’innocence ;
C’était un crime capitale,
D’oser embrasser sa défense ;
Quand on songe que des Enfants,
Qu’un Sexe aussi faible qu’aimable ;
Tombait sous le fer des briguans,
Nous disons tout est incroyable.

6
Celui qui nous donna ce nom,
Mérite très fort qu’on l’estime ;
Il a oublié le renom,
Qu’il avait acquis par ces crimes.
C’est un destructeur, un boureau,
Un gros Jacobins détestable ;
Nous taperions sur son manteau,
Avec un plaisir incroyable. »

* Sur les muscadins voir cet article, celui-ci et celui-là.

** Tresses d’origine militaire.

*** Sans doute Oliver Cromwell (1599 – 1658) figure du Commonwealth anglais, forme de république instaurée en Angleterre de 1649 à 1653 et de 1659 à 1660.

**** Charles IX, ou la Saint-Barthélemy est une tragédie à succès de Marie-Joseph Chénier (1764 – 1811) jouée en 1789 avec le fameux comédien incroyable Talma (1763 – 1826).

***** Révolutionnaire français (1760 – 1797). Il crée la « Conjuration des Égaux » contre le Directoire. Il est guillotiné. Ses idées inspirent un courant de pensée, le « babouvisme », qui préfigure le communisme et l'anarchisme.

Platon, La République (in OEuvres complètes, tome I, « traduction et notes établies par Léon Robin avec la collaboration de M.-J. Moreau », Bibliothèque de La Pléiade, Paris : Éditions Gallimard, 1950), livre III, à partir de la fin de 400 d. C’est Socrate qui parle :

« Conclusion : l’excellence du langage, celle de l’harmonie, l’élégance de la forme, la perfection du rythme, tout cela sert d’accompagnement à la candeur [εὐηθεία : terme formé de εὖ, eú - bon - et de ἦθος, ễthos - caractère, mœurs - avec le suffixe nominal sur une base adjectivale -ία, -ia] ; non point à cette réelle imbécillité que, par gentillesse, nous qualifions de candeur, mais à cette pensée réfléchie qui, en toute vérité, équipe le moral pour ses fins de la bonne et belle manière. […] Or ce sont bien là, sans doute, des caractères dont déborde la peinture, avec toute la technique qui s’y rapporte ; mais dont débordent aussi tissage, broderie, architecture, avec, en outre, tout ce qui est fabrication d’objets mobiliers en général ; dont déborde enfin la nature des corps et, d’une façon générale, la nature de tout ce qui croît. En tout cela, en effet, il y a place pour l’élégance ou l’inélégance de la forme. L’inélégance de la forme, ajoutons-le, l’absence de rythme, le défaut d’harmonie, tout cela est frère de la mauvaise condition de nos propos, de la mauvaise condition de notre moral ; et les états contraires, des conditions opposées, celles d’un moral sage et bon : à la fois leurs frères et leurs images. […] ne faut-il pas nous mettre en quête de ces professionnels que leurs heureuses inclinations feront capables de suivre la piste qui est à la fois celle de la nature, de la beauté morale et de l’élégance de la forme ? »

D’après Pierre Desproges (1939 – 1988), pour reconnaître un imbécile parmi dix personnes, il suffit de regarder sa façon de se vêtir : l’imbécile est celui qui s’habille comme les neuf autres !

L’habillement a toujours été un signe d’appartenance réelle ou souhaitée. Durant l’Antiquité et une partie du Moyen-Âge, le drapé long montre que l’on est un homme libre qui ne travaille pas. Les vêtements plus courts sont ceux de professions, d’esclaves, de militaires… d’étrangers… Les qualités du tissu, de la teinture, des détails signifient aussi. À partir du XIVe siècle, certains autres éléments prennent beaucoup d’importance : la nouveauté, l’innovation, la qualité de la taille, etc.

Lorsque l’on contemple les sculptures des églises françaises d’avant le XXe siècle, on admire de magnifiques personnages bibliques le plus souvent en costume à l’antique, c’est-à dire en tunique et manteau drapé, portant des robes, comme on le dit au Moyen-Âge, période où l’on s’habille ainsi pendant sa plus grande partie (jusqu’au XIIIe siècle). La tunique et le manteau drapé sont à la fois très simples et très nobles.

Photographies prises au mois de juillet 2023 de statues extérieures, du XIXe siècle, de l'église Saint-Laurent de Paris, se situant au bout de l'ancien cardo maximus romain. Cette église a été fondée à la fin du Ve siècle et remaniée depuis, notamment aux XIIe, XVe et XIXe siècles.

Ci-dessus : Visages très mouchetés de Dames de France. Photographie provenant du dossier de presse de l’exposition du Musée du Domaine royal de Marly-le-Roi intitulée : Séduction et pouvoir : L’art de s’apprêter à la cour.

Il reste jusqu’au 17 août 2023 pour aller voir l’exposition du Musée du Domaine royal de Marly-le-Roi intitulée : Séduction et pouvoir : L’art de s’apprêter à la cour. Je trouve le titre assez étrange, et la question de la séduction et du pouvoir mériterait une analyse beaucoup plus approfondie que ne le fait cette exhibition ; mais celle-ci présente de jolis objets de toilette, en particulier du XVIIIe siècle, et des documents dont certains étaient déjà proposés dans une précédente exposition (voir ici). J’aime bien ce genre d’évènement, assez intime, sans grande prétention mais avec quelques objets de qualité (télécharger le dossier de presse ici) dont beaucoup appartenant à une même collectionneuse.

Ceux qui veulent se lancer dans la collection d’objets de toilette du XVIIIe siècle doivent aller voir cette exposition, et des musées comme celui du parfum (Fragonard) à Paris (voir ici). De nombreux objets sont régulièrement mis en vente sur le marché de l’art, inabordables pour moi… même si j’en possède quelques-uns. L’exposition présente des boîtes de poudre à perruques (dont une jolie avec un peinture d’une dame à sa toilette se faisant coiffer par un coiffeur juché sur une échelle), des nécessaires de toilette et des étuis nécessaires, quelques pots à onguent, des boîtes à mouches, des flacons de parfum, des pomanders (aussi écrit pommanders) et autres vinaigrettes… de même que des éléments de parure comme des dentelles, des bijoux, des broderies de soie, des boutons, des montres, des éventails, des boucles de chaussure, des chaussures… ainsi que des documents iconographiques, comme une série de dessins d’époque de robes à paniers. Ces dernières révèlent la féerie des habits féminins de cette époque, merveilleux aussi présent dans les costumes d'homme du XVIIe siècle et d'une manière général chez les petits-maîtres dont, du reste, on appelle certains merveilleux, merveilleuses, incroyables, inconcevables… Bien sûr cette exposition est très loin d’être exhaustive : pas de tables de toilette, très peu d’objets du XVIIe siècle…

Il y a quelques années de cela, je souhaitais collectionner des objets et meubles de toilette, et avais établi une liste de ceux-ci. La voici :

L’estampe ancienne de qualité est une œuvre d’art à part entière et un témoignage du temps passé : de l’histoire, de l’histoire de l’art, etc. On distingue deux grands types : celles faisant partie d’un ouvrage et celles publiées pour elles-mêmes. Au milieu on peut ajouter les séries d’estampes, parfois reliées entre elles ou incorporées à un cahier pouvant contenir quelques pages de descriptions. Celles publiées pour elles-mêmes étaient collectionnées ou bien placées sur les murs comme décorations, souvent encadrées, ou bien encore utilisées, comme pour les cartographies. Il est toujours très dommageable de détacher ou découper une estampe d’une parution, et même de découper l’estampe même. Je dis cela, car j’ai constaté que dans l’exposition, intitulée Graver la lumière, l’estampe en cent chefs-d’œuvre et se déroulant en ce moment au musée Marmottan Monet, la plupart des gravures anciennes ont été découpées au ras de l’image. Cela enlève beaucoup de leur valeur. Cela a été fait pour des estampes réputées, comme celles d’Albrecht Dürer (1471 – 1528) et beaucoup d’autres. Alors pourquoi ? Celles-ci étaient-elles abîmées ? Je ne pense pas, car de toutes les façons elles ont toutes été ‘lavées’ et sont en bon état. Petit digression : Personnellement je ne lave jamais mes estampes, me contente de les entreposer dans du papier ‘barrière’ et dans des cartons aussi à ph neutre, etc. Celles qui sont vraiment attaquées, je les calfeutre pendant quelques semaines dans un carton étanche dans lequel j’ajoute du papier contenant quelques gouttes (pas de contact direct avec l’estampe bien sûr) d’huile essentielle de thym et de l’alcool. L’autre chose très importante est de conserver dans la pièce où on les entrepose une température (entre 18° et 20°) et une humidité (entre 45 % et 55 %) constantes. Alors pourquoi avoir découpé ces images ? Pour les encadrer ? Cela non plus n’est certainement pas la raison, car les passe-partout servent justement à encadrer et mettre en valeur les estampes sans les amputer. Je pense que si elles ont été découpées à ras et contrecollées sur du papier ou du carton récent, c’est pour cacher les tampons de provenance des collections dont elles ont fait antérieurement partie. Ce n’est qu’une hypothèse, mais je n’en vois pas d’autre pour le moment hormis la pure stupidité. Quoi qu’il en soit, j’écris cet article pour demander aux collectionneurs de ne pas découper les estampes anciennes. Il s’agit de documents artistiques et historiques même si beaucoup sont accessibles de nos jours à des petits budgets. Pour ma part, j’ai réalisé ma collection quasiment sans argent… en chassant les affaires, et surtout en m’intéressant à des domaines et artistes oubliés. Les conserver et en prendre soin, est un travail plus difficile que de se les procurer, et de plus de longue haleine. L’autre difficulté est de trouver le moyen de les divulguer (personnellement je le fais par internet, même si j’aimerais encore davantage les exposer) et de les transmettre. Je n’ai pas encore réussi à résoudre ce dernier point, n’ayant trouvé personne ayant la tête (l’intelligence), le coeur (l’amour) et les ‘tripes’ (la persévérance) pour cela. Une dernière chose, si vous souhaitez vous servir de vos gravures comme décoration et si vous avez la finance pour cela, faites-les encadrer dans un cadre de l’époque de la gravure… ou au moins l’imitant, et surtout n’exposez jamais une gravure au soleil ou même sous une lumière électrique trop forte, la lumière étant un des quatre facteurs de détérioration, avant même la température et l’humidité, mais après bien sûr une catastrophe (déchirure, feu, dégât des eaux, etc.). Je le répète, conserver et transmettre, cela est plus difficile que d’acquérir.

Photographies ci-dessus : Ces deux petites gravures sont les premières que j’ai achetées… pour 5 €. Elles proviennent d’un livre du XVIIIe siècle. Parfois les gravures ont été sorties d’un ouvrage très tôt, même à l’époque, ou ont été éditées non seulement dans les livres mais aussi à part par l’éditeur. Ici il semble bien que ces gravures pleine-page ont été détachées de leur livre d’origine par une personne peu scrupuleuse... à moins que le reste du livre ait été très endommagé et irrécupérable.

Photographies ci-dessous : Cette autre gravure du XVIIIe siècle est la première que j’ai présentée dans ce blog, et une de mes premières acquisitions. Gravure provenant de Suecia Antiqua et Hodierna (1690 – 1710) d’Erik Joonsson Dahlberg (1625 – 1703). À l’époque, je cherchais à vendre, ce que j’ai abandonné de faire pour ne plus que collectionner.

Les termes et expressions signifiant de ‘nouveaux’ concepts (je mets entre guillemets, car dans notre cas, il ne s’agit pas vraiment de nouveautés mais de redécouvertes) sont souvent difficiles à assimiler, un peu comme les nouvelles modes. On les trouve ridicules. C’est le cas pour le mot « décroissance » et l’expression « écologie culturelle ». Pour les deux, ma première réaction a été du rejet… mais en y regardant de plus près…

J’ai déjà parlé de la « décroissance » ici. Au-delà du mot même raisonne une politique essentielle et inéluctable… une nécessité de revenir sur des bases saines. Bien évidemment, ce ne sont pas les mots qui comptent mais les gens qui les formulent et leur donnent du sens.

Le mot « écologie » est assez récent. Il aurait été créé en 1866 par le scientifique libre-penseur allemand Ernst Haeckel (1834 – 1919). De nos jours, ce terme est très galvaudé, des pollueurs cherchant à le discréditer ou à l’utiliser, cette manière de faire étant aussi une pollution. Du coup, il me semble logique d’avoir eu un premier réflexe de réticence à voir associer les termes « écologie » et « culture ». C’est dans le dernier numéro de Nexus (n°146 de juillet-août 2023) que j’ai découvert l’écologie culturelle, concept qui semble avoir été inventé par Patrick Scheyder et présenté par lui dans un entretien (pp. 38 – 45) tout à fait intéressant. Cet auteur montre qu’en France la nature est aux fondements même de notre culture, et que l’on a toujours été préoccupé d’environnement. Elle a notamment été défendue par des écrivains comme La Fontaine, Jean-Jacques Rousseau, George Sand, Victor-Hugo, etc. Il ne s’agit là que de quelques noms évoqués par cet artiste. Je me suis depuis longtemps particulièrement intéressé au sujet, collectionnant des gravures et livres d’avant le XIXe siècle sur le sujet des pastorales, et je présente quelques-uns de ces documents (des gravures du XVIIIe siècle d'artistes ayant évolué à Paris) dans la première partie de mon livre intitulé Écologie du sentiment, Promenades sur une année aux rythmes naturels des forêts d’Île-de-France (auto-édition, 2022). Depuis la plus haute Antiquité, et même depuis la Préhistoire,  les arts et les sciences sont associés à la nature, ceux-ci étant vus comme une imitation de celle-ci, et non pas comme un supplétif voire un remplaçant comme c’est le cas souvent aujourd’hui. La nature était le ‘maître’ de l’être humain et non pas le contraire… si l’on peut parler de cette façon.

Donc, toute la première partie de mon livre présente un point de vue de graveurs du XVIIIe siècle sur la Nature, évoquant un univers pastoral dernier reliquat d’un Âge d’Or où l’homme vivait en totale harmonie avec la nature. Patrick Scheyder fait référence à la culture française et moi plus précisément à une partie de celle de l’Île-de-France, parce qu’il s’agit des cultures de la terre que nous foulons et dont nous souhaitons conserver et transmettre la richesse. Il n’y a aucun chauvinisme en cela, mais simplement un amour pour ce qui est là, autour de nous, à nos pieds. Pourquoi aller voir plus loin ? Pourquoi aller chercher des trésors ailleurs alors que nous en sommes environnés ici et maintenant ? Si cela pouvait se comprendre autrefois où l'on était avide de découvertes, à notre époque bouger est devenu une maladie, car fait n’importe comment, en suivant des rythmes fous, égoïstes, l'esprit obnubilé par des écrans qui nous renvoient des reflets manipulés de nous-mêmes. La nature qui nous entoure est comme un corps dans lequel on est et dont on doit prendre soin pour prendre soin de soi. Si nous allons ailleurs, nous nous habillons d’un autre corps et laissons l’autre ! Croire que l’on peut être à la fois dans le premier et le second est une erreur, et passer de corps en corps, comme le font les mondialistes, nous rend malades, en même temps que nous rendons malades ces corps que nous habitons et consommons. Ainsi est-il préférable d’être dans un seul corps le plus possible, de le connaître, de l’aimer et d’en prendre soin.

La culture française est donc en lien étroit avec la nature. La plupart des poètes l’ont louée, et cela à tous les siècles, beaucoup d’écrivains, peintres et autres artistes. Il s’agit d’un sujet qui imprègne notre culture.

Il est à noter que différents mouvements contemporains vont dans le même sens que l'écologie culturelle, comme en architecture le biorégionalisme (voir la bibliographie de mon livre gratuit intitulé Façadismes & architectures RER disponible ici). Si des universitaires, scientifiques et autres intellectuels ont parlé et parlent toujours d’environnement, il est nécessaire de dire que la grande majorité de ceux qui aiment cette terre qu’ils foulent, sa culture, sa nature… sont des anonymes, et cela depuis toujours. De toutes les façons, cet amour ne peut se dire par des mots. Personnellement, j’ai passé mon enfance dans un village du Massif Central où mon esprit s’est ouvert à des beautés que l’on ne peut décrire mais que l’on peut découvrir partout où il y a de la nature, et même partout où l’on est, nous qui sommes des êtres de nature, même s’il est plus difficile de trouver et de conserver l’inspiration là où domine l’ignorance ou la méchanceté.

Photographie de la reliure et de pages du livre Écologie du sentiment, Promenades sur une année aux rythmes naturels des forêts d’Île-de-France (auto-édition, La Mesure de l'Excellence, 2022).

La pierre conserve la mémoire des êtres humains depuis des dizaines de milliers d’années… si ce n’est davantage. L’Île-de-France possède une quantité impressionnante de roches et de pierres gravées, d’autant plus prodigieuse qu’il y a aucun doute que la très grande majorité a disparu sous le poids de l’urbanisation effrénée et diverses carrières de pierres plus ou moins récentes parsemant cette région, tout cela ayant détruit beaucoup de sites et autres témoignages préhistoriques, d’autant plus que ces derniers sont très discrets. J’en ai découverts en me promenant en forêt, puis grâce au travail de l’association Gersar.

Pour moi, ces témoignages sont d’autant plus intéressants qu’ils rejoignent mes principaux centres d'intérêts. Tout d’abord, ils sont en étroit rapport avec la nature, et c’est au milieu d’elle que la plupart subsistent aujourd’hui. Ensuite, ils sont emprunts de spiritualité, ainsi que d’un autre regard sur le monde, plus profond que celui contemporain accaparé par les écrans. Ils sont plus à l’écoute de la vie et de tout ce qui nous entoure : le ciel, la terre, le sous-sol, les éléments, les animaux, les plantes, etc. Ils comblent aussi la passion que j’ai pour la recherche, les témoignages du passé, nos ancêtres et les objets d’art en général. Enfin, ils apportent du merveilleux, du rêve. En un mot : ils donnent de l’« espoir ».

La pierre fait le lien entre le ciel et le monde souterrain, surtout quand elle est dressée. Elle fait office de miroir, reflétant les mondes célestes et les univers souterrains, l’extérieur et l’intérieur. Elle permet de voir les révolutions des astres et leur incidence sur nous, ainsi que l’intérieur de notre corps, de nos organes et l’état dans lequel ils sont. C’est du moins ce que j’ai appris dans un rêve que j’ai fait récemment. Du reste, lorsque l’on désirait se guérir d’une maladie, on gravait certains pierres que l’on plaçait dans des lieux sacrés, comme une source…

Les gravures sur roches et pierres que l’on rencontre en Île-de-France sont toujours très schématiques et la plupart du temps formées de traits et de cupules (petits creux en forme de cercle). Les motifs sont basiques et récurrents, comme ceux des alphabets.  D’après moi, nous sommes dans de l’écriture, et il est aisé de faire des comparaisons avec ce que nous considérons comme les premières écritures. Nous sommes là aux fondements même des arts : de l’écriture, de la poésie, des arts graphiques…

L’exposition Pierres secrètes : Mythologie préceltique en Forêt de Fontainebleau, qui a lieu jusqu'au 30 décembre prochain au musée de la Préhistoire d'Île-de-France à Nemours, insiste sur les aspects figuratifs de ces gravures, mais lorsque l’on contemple celles-ci in-situ, on est surtout impressionné par leur nombre et ce qui ressemble à du récit, je le répète : ce qui est selon moi une véritable écriture. J’évoque déjà cela dans un chapitre de mon livre intitulé : Écologie du sentiment, Promenades sur une année aux rythmes naturels des forêts d’Île-de-France.

Comme images figuratives se retrouvant régulièrement et visibles dans cette exposition, on trouve des dieux comme Cernunnos (le dieu à cornes de cerf), une déesse, des animaux et certains objets rituels, ainsi que des figures humaines, dont celle du laboureur avec sa charrue et son couple bovin.

Connaître ce patrimoine et sa valeur est important, ne serait-ce que pour le conserver car, je le répète, il est peu impressionnant extérieurement mais d’une grande richesse intérieure.

J’ai déjà écrit sur les apaches dans cet article.

Je me suis souvent demandé d’où venait la poésie du langage et des manières des apaches. J’ai trouvé une réponse en lisant un livre sur Les En-dehors, anarchistes individualistes et illégalistes à la « Belle Époque », écrit par Anne Steiner (Paris : L'échappée, réédition 2019). Les illégalistes n’hésitent pas à voler ceux qu’ils considèrent comme ayant ‘trop’ et à fabriquer de la fausse monnaie, tout en prônant la liberté, l'étude, l’éducation populaire, les mœurs libres, la poésie, l’entraide, etc. Fréquentant la pègre de l’époque dans les prisons et dans leurs ‘affaires’, sans doute insufflent-ils cette profondeur, cet humour, cette poésie et tout ce style que l’on retrouve chez ceux que l’on appelle dans l’entre-deux-guerres « les apaches ». Les illégalistes peuvent même tuer, et la bande à Bonnot en est un exemple. Pour les individualistes c’est différent. Si certains illégalistes fréquentent les individualistes et que des ‘évolutions’ s’accomplissent, beaucoup d’individualistes sont végétariens, prônent une vie saine, frugale, les exercices du corps, l’amour libre, le naturisme, l’autonomie, la solidarité, l’éducation personnelle, la sensibilité artistique, la beauté, etc. Je crois qu’aujourd’hui on ne prend pas la mesure de ce qu’apportent ces gens à la République française (c’est-à-dire à l’égalité, la liberté et la fraternité) si affreusement bafouée de nos jours, simplement en vivant pleinement leur liberté, leur expérimentation de la vie… une vie sans maîtres et sans pouvoirs… digne… Comme pour les petits-maîtres, ce sont ces « en-dehors » qui insufflent par leur liberté l’oxygène qui fait vivre la grande majorité qui pourtant ne peut pas les encadrer (et c’est tant mieux d’être hors-cadre… c’est là que se joue la vie), mais qui sans eux s’auto-détruirait.

On retrouve de ces éléments dans des mouvements de jeunes européens de la seconde partie du XXe siècle, associés à des milieux populaires, qui inventent leur argot, musique, danse, coutumes... tout en ayant un aspect 'mauvais garçon', comme le rude boy en Jamaïque, le blouson noir et le racaille en France, le chav au Royaume-Uni, le gangsta aux États-Unis (voire d'autres comme le zoot suiter), le eshay en Australie, le gopnik (гопник) et la gopnitsa (гопница) en Russie, etc. En fait, beaucoup de mouvements de mode de cette période revendiquent une certaine liberté, un style nouveau, leurs propres conventions... ce qui les fait considérer par d'aucuns comme des rebelles, comme avec la garçonne ou flapper, le teddy boy, le mod, etc. Pour autant, ceux-ci ne sont pas spécialement libertaires, contrairement au hippie et baba ou punk, traveller, alternatif, autonome, zadiste et décroissant.

Photographies ci-dessous : Les années 1960 n’ont pas inventé l’amour libre et la vie naturelle… C’est vieux comme Adam et Ève ! Le souvenir de l’Âge d’Or et l’appel à son retour, cela suit tous les siècles. Les anarchistes, à leur manière, revendiquent un tel monde, où chacun est libre et responsable pour lui et les autres, un monde d’amour. Évidemment, cela peut sembler étrange d’écrire cela dans un article où il est question d’apaches volant et tuant.

Les deux premières de couverture ci-dessous sont de revues, La Vie Heureuse, de novembre 1903 pour la première, et la « revue hebdomadaire des actualités » Le Miroir, du 17 mai 1914, avec une photographie de la comédienne « Mlle Edmée Favart dans son premier rôle » pour la seconde. Celles-ci ont déjà été présentées dans ce blog, mais elles témoignent que même à des époques où la mode n’est pas au naturel des années 1960 – 1975, tout y est : les cheveux longs, le bandeau dans les cheveux, les fleurs, le vêtement bariolé, le collier, le visage non maquillé, le sourire, etc.

Il est encore temps, jusqu’au 16 juillet prochain, de vous rendre à l’exposition de la Bibliothèque nationale intitulée : Imprimer ! L'Europe de Gutenberg. Celle-ci présente une quantité de documents du XVe siècle témoignant des débuts de l’imprimerie en Europe, en particulier en Allemagne, en Italie et en France, sans doute les plus précieux. Les premiers livres imprimés et gravures y sont exposés ainsi que tous ceux témoignant des évolutions techniques durant ce siècle. On peut dire que le XVe siècle a inventé toutes les bases du livre qui resteront sans grands changements pendant plusieurs siècles… jusqu’au XIXe, et en partie jusqu’à nos jours. Progressivement, de l’Allemagne puis de l’Italie, nous arrivons dans le quartier latin parisien, et c’est émouvant de constater comment le livre imprimé l’a conquis. Une âme industrieuse, littéraire et artistique nous suit tout le long de l'exposition… ou que nous suivons… témoignant d’un renouveau à la base de la modernité, formant une renaissance intellectuelle et les débuts de l’époque moderne. L’exposition se conclut cependant avec quelques citations d’auteurs du XVIe siècle questionnant déjà cette modernité noyant sous un torrent de lettres et d’images. C'est un vrai plaisir  de contempler ces documents d'époque, historiques pour l'histoire de l'art, du livre et de notre culture, sortis de réserves de bibliothèques et musées et rassemblés pour quelques semaines !

Photographies : il y a quelques années de cela, j’ai acheté sur internet ces deux images, principalement parce qu'elles représentent les modes de l'époque, et aussi parce que je suis un spécialiste des illustrations des textes de Térence et de la Néa (la Comédie nouvelle antique) en général depuis l'Antiquité. J'ai écrit un mémoire et une thèse non sanctionnée sur le sujet, le fruit d'un travail de quatre années m'ayant conduit dans les réserves des grands musées et bibliothèques grecs, italiens et français. L’exposition présente le livre d’où elles proviennent, c’est-à-dire d’un incunable reprenant les pièces connues de l’auteur romain Térence et sa vie : Comoediae. Vita Terentii de dictis Petrarcae excerpta, imprimé par Johann Grüninger, à Strasbourg en 1496. Les illustrations sont faites de décors et personnages gravés en relief sur bois et repris selon les entrées en scène et les lieux théâtraux du moment de la pièce imprimée. Elles proviennent donc de petites matrices xylographiques (gravures sur bois) rectangulaires, plus hautes que larges, mises côte à côte comme on le fait pour les lettres, afin de former un phrasé en image : une illustration du texte imprimé. Nous avons une sorte de rédaction de l’image, de grammaire iconographique d’autant plus intéressante à noter que Térence a été étudié dans les écoles depuis l’Antiquité et au moins jusqu’au XVIIIe siècle inclus pour la pureté de son latin, et les illustrations de ces manuscrits puis livres imprimés pour la rhétorique gestuelle. En Occident, en France notamment, le théâtre a été, jusqu’au milieu du XXe siècle, la première source pour l’étude de la langue et à la base de sa culture. En comparant ces images avec les illustrations de manuscrits antérieurs, on observe que les personnages perdent leur masque, ce qui se fait progressivement au Moyen-Âge, et ce qui signifie, selon moi : une perte de distanciation face à la représentation humaine et sa condition, et du simple plaisir, de même que de certaines formes de l'intelligence, ce qui peut nous amener à croire tout et n'importe quoi.

Ci-dessus et ci-dessous : Gravure de la fin du XVIIe siècle ou du début du XVIIIe représentant des « Alleman[d]s ».

Pour commencer sur les petits-maîtres allemands, évoquons Karl Lagerfeld (1933 – 2019), qui est sans doute le plus grand représentant allemand de la mode de la seconde partie du XXe siècle… jusqu’en 2019.

L’Allemagne a sa tradition élégante. Je me suis rendu compte qu’une bonne partie est liée aux militaires. On connaît l’importance de la chevalerie dans l’histoire de ce pays, et son sens développé de valeurs comme l’honneur, mais aussi l’élégance. Les représentations de soldats allemands des XVe et XVIe siècles nous dépeignent des personnes s’habillant à la dernière mode et de façon très originale. Ce goût est sans doute beaucoup plus ancien et se perpétue par la suite. Le film néo-zélandais intitulé Jojo Rabbit (2019, adaptation du roman Le Ciel en cage – Caging Skies – de Christine Leunens), en donne un aperçu humoristique et émouvant en montrant comment cela se poursuit même chez les nazis, à travers deux militaires gradés qui se dessinent des habits et qui en portent un exemple à la fin du film, au moment où pour eux il n’y a plus d’espoir… que celui de mourir. Évidemment c’est du cinéma, mais cela recoupe avec les documents anciens. Il y a dans la culture allemande un sens esthétique profond qui s’exprime de toutes les manières : dans la musique, la littérature, le théâtre, le cinéma (je trouve les films expressionnistes allemands d’un esthétisme souvent époustouflant), les mœurs, etc. Ce film fait aussi référence aux contestataires allemands face au régime fasciste. Vers 1935, l’Allemagne a ses adeptes du swing et du hot-jazz, qui forment une swingjugend (« jeunesse swing ») qui poursuit son goût pour le jazz et la dérision pendant la guerre, comme au même moment les zazous en France et ailleurs en Europe.

Photographies ci-dessous du film ci-avant cité.

On apprend aussi sur la mode française et européenne à la fin du XVIIIe siècle à travers les almanachs et autres revues de mode allemands. J'en possède quelques-uns, dont des almanachs du Gotha de la fin du XVIIIe siècle, largement consacrés à la mode (un exemple ici).

Ci-dessous : Pages d’un almanach allemand de 1779. Les légendes des illustrations de cet ouvrage sont en allemand ou en français et allemand. Voir d'autres pages ici et ici.

Ci-dessous : Double-page du même almanach. Ici la légende des images est en français, langue alors à la mode dans toute l’Europe. À gauche : « Le petit Maître allant en bonne fortune ». À droite : « la petite Maîtresse à la Promen[ade]. »

Les Allemands possèdent de nombreux noms désignant des beaux, dont la plupart anciens ou très anciens, ce qui prouve la vitalité de l’élégance dans ce pays. Le terme allemand de geck est assez ancien. Il s‘agit d‘un petit-maître affecté et cherchant à être très élégant. Un modenarr est un maniaque de la mode, faisant étalage de ses vêtements, essayant de dépasser les autres par la délicatesse de ses habits. Le geck est considéré comme ridicule à cause de cela, on dit aussi modegeck. Le mot fant est encore plus ancien et vient de infans qui veut dire « garçon ». Le stutzer est un pimpant. On trouve comme autre synonyme le nom de laffe qui veut aussi dire « cuillère ». Le stenz est un homme assez vaniteux, très à cheval sur son apparence et ses manières. Le gigerl est très attaché à ses vêtements et est aussi assez vaniteux. Un autre, de plus arrogant, est le lackaffe. Un fatzke est un gandin ; on parle aussi de pinkel. Un pomadenhengst est un pommadin, un gommeux. Ce nom est utilisé de façon moqueuse afin de désigner un jeune beau usant exagérément de pommade afin d’avoir une coiffure masculine très lisse.  Ce genre de coiffure est à la mode dans la première moitié du XXe siècle.

Ci-dessous : Gravure provenant d’une revue de mode allemande de la fin du XVIIIe siècle, reprenant en partie ou peut-être en totalité plusieurs gravures de mode françaises et représentant des merveilleuses et des incroyables.

Le schnösel est un genre de fils à papa, une jeune personne aisée par naissance, assez arrogante, égocentrique et snob… Ce nom semble être inventé au XIXe siècle. Le yuppie, quant à lui, que l’on retrouve aussi en Allemagne, est né aux États-Unis dans les années 1980 et travaille. Il s’agit d’un young urban professional, ayant une profession considérée comme de la classe moyenne supérieure lui permettant de se comporter avec une certaine insubordination. Les Allemands utilisent pour désigner les petits-maîtres du XIXe siècle jusqu’à aujourd’hui des termes que l’on retrouve notamment en France et dans d’autres pays, comme : playboy, beau, dandy, adonis, snob, elegant… Le beau et l’adonis sont des jolis garçons. Le schönling est aussi un joli garçon, un jeune homme séduisant. Originellement ce nom désigne un poisson méditerranéen particulièrement beau et coloré.

Ci-dessous : Page d’un post-incunable du XVIe siècle, écrit en allemand, avec à gauche sans doute un militaire habillé à la mode de l’époque : chapeau avec panache coloré, début de la fraise comme ornement du cou, manteau-cape avec un côté plus long que l’autre, des chausses rayées, une braguette servant de bourse, des chaussures à bout court et carré (l’exact inverse des poulaines qui sont à la mode avant)…

Pour une fois, voici un titre en tibétain. J’ai fréquenté quelques Tibétains et Bhoutanais, surtout leurs enseignements, et ai donc quelques rudiments concernant leur culture. གསོ་བ་རིག་པ (Sowa-Rigpa) veut dire « médecine » en tibétain. Plus précisément sowa peut être traduit par « guérison » et rigpa par « science ». Mais comme beaucoup d’expressions et de mots importants tibétains, on a généralement trois niveaux de sens. Ici nous sommes dans le relatif. Au niveau intermédiaire de ce qui nous est généralement invisible, ou du moins se situant à un autre niveau (par exemple du domaine du corps subtil), sowa peut se traduire par « nourrissement » et rigpa par « conscience ». Enfin, à un troisième niveau, rigpa est la sagesse ultime et naturelle, la pure conscience, l’auto-réalisation inhérente (conférer notamment les enseignements dzogchen). Il s’agit là d’un exemple de la subtilité de la médecine tibétaine, toujours bien vivante de nos jours, comme le sont les autres médecines venues d’Asie. C’est pour cela que j’aurais aimé que l’exposition, qui se déroule en ce moment au Musée Guimet à Paris, jusqu'au 18 septembre 2023, et intitulée Médecines d’Asie, l’art de l’équilibre, fasse davantage le lien avec les diverses pratiques médicales en Asie aujourd’hui. Elles sont d’une richesse immense dont j’ai pu avoir quelques petits aperçus par mon expérience même. Pour ma part, elles m’ont permis de maintenir un corps et une âme en ‘bonne’ santé. J’ai expérimenté (comme patient) l’acupuncture et la diététique pratiquées par un moine japonais, la médecine tibétaine (sagesse, pilules, acupuncture, massage et yoga) et indienne (yoga). Je prends aussi plaisir à fréquenter des herboristeries (voir cet article) et ai une connaissance des plantes sauvages françaises (voir Écologie du Sentiment). Ces quelques expériences de la médecine asiatique, très sporadiques, m’ont donné une idée de cette richesse.

On peut dire que ces médecines sont traditionnelles. Cela permet à certains de les opposer à la médecine moderne. Pourtant toutes les médecines sont complémentaires, et même toutes se ressemblent énormément, voire sont les mêmes, ont un fond commun, ne serait-ce que celui d’essayer de guérir ou de maintenir en bonne santé. Lorsqu’un médecin s’écarte de se fond commun, il s’éloigne de la médecine. Il n’y a pas de mauvaises sortes de médecines, seulement de mauvais médecins, et même de mauvais patients, car ces derniers sont responsables d’eux-mêmes. J’ajoute les mauvaises circonstances qui ne permettent pas d'accéder à la médecine adéquate au bon moment. Le médecin met à la disposition du patient la science qu’il a acquise et son expérience, voire sa sagesse, mais c’est au patient d’y ajouter sa raison. Qui se souhaite du mal ? Le patient est le premier intéressé ! Un emblème symbolise le lien entre les médecines asiatiques et occidentales, notamment françaises : le caducée dont la forme est celle des trois principaux canaux dont on retrouve la description notamment dans l’ayurveda (médecine traditionnelle indienne) et la médecine tibétaine, et dont le bon fonctionnement est une base à la bonne santé. L’importance de ces canaux est aussi décrite dans l’hindouisme, le bouddhisme et sans doute ailleurs.

Comme je l’ai dit précédemment, la médecine est liée à la sagesse. Cette dernière guérit en effet. Du coup, elle est aussi liée aux vertus. Comme on le constate dans cette exposition, certaines médecines asiatiques font une part belle aux religions, au surnaturel, voire à la superstition. Pour la religion et la superstition, peut-être cela a-t-il un effet placebo… mais la superstition est incontestablement une mauvaise chose, un mauvais médicament.

Au sujet du médicament, on peut lire dans cette exposition concernant l’ouvrage chinois datant de « 25 – 200 » et intitulé en français Classique de la matière médicale de Shennong, que ce livre classifie des remèdes en trois groupes : ceux de catégorie supérieure nourrissant la force vitale (ming) non toxiques ; ceux de catégorie intermédiaire nourrissant la nature innée (xing) pouvant ou non être toxiques ; ceux de catégorie inférieure traitant les maladies et très toxiques. La chose première dont on doit prendre soin est le terrain (la force vitale), les environnements extérieurs  et intérieurs. Attendre que la maladie arrive pour prendre soin de soi a des conséquences délétères.

« L’art de l’équilibre » est aussi celui de la mesure. Comme le disent ces deux adages antiques : Μηδὲν ἄγαν (Mêdèn agan) et Γνῶθι σεαυτόν (Gnỗthi seautόn), « Rien de trop » et « Connais-toi toi-même ». Ils sont liés au temple d’Apollon en Grèce et largement cités pendant toute l’Antiquité. L’húbris (ὕβρις) est par contre la démesure.

Pour résumer, je trouve que cette exposition est présentée à point nommé, à une époque où la médecine dite « moderne » fait face à d’énormes défis, à un déséquilibre particulièrement dommageable dû en particulier à une marchandisation outrée et immorale, à une pollution extraordinaire à tous les niveaux de ‘nos’ environnements et à une profonde méconnaissance des médecines dites « douces » ou « traditionnelles »... Mais les bons médecins sont là. La vertu, l'amour, le savoir et la sagesse restent naturellement cachés des comportements obscènes.

PS : Il est à noter aujourd'hui, une belle vente d'objets d'art indo-tibétains par la maison Bonhams, visible ici et ici.

J’ai déjà présenté le métier de cireur ou décrotteur dans cet article, ainsi que la même gravure que celle ici photographiée, mais cette dernière est en couleur. Son intérêt est non seulement dans la présentation de ce métier mais aussi des merveilleuses et des incroyables qui fréquentent cette boutique.

Concernant le métier, on reconnaît l'étape du brossage, celle de l'utilisation du blanc d'oeuf et l'application de la cire au pinceau. Il existe au moins une autre gravure d'époque sur le même thème visible ici. avec un gros plan sur Google ici. Sur cette estampe, on constate que la boutique se situe dans le Palais-Royal et qu’on y lit des journaux, car une inscription indique : « Ici on lit les journaux en se faisant décroter ». Ces incroyables portent les premiers pantalons à la mode, Ceux-ci sont à taille très haute.