LA MESURE DE L’EXCELLENCE

Lors du voyage de presse organisé pour l'exposition Le ruban c'est la mode qui a lieu jusqu'au 2 janvier 2017 au Musée d'Art et d'Industrie de Saint-Etienne, j'ai eu la chance de pouvoir visiter la Chapellerie Atelier-Musée du Chapeau à Chazelles-sur-Lyon à trente kilomètres de cette ville, et l'usine de l'entreprise Neyret de Grammond.

Si dans la famille Neyret on fabrique des rubans depuis au moins sept générations à Saint-Étienne et dans sa région, l'usine de Grammond a d'abord été fondée en 1924 par H. Descours dans un ancien couvent de religieuses, puis rachetée par les Frères Neyret. On y confectionne aujourd'hui des rubans de haut de gamme : rubans et étiquettes tissés pour l'industrie du luxe (première dans la production de griffes renommées), ainsi que des décorations (pour médailles, écharpes tricolores...). Située dans un petit village de campagne de moins de mille habitants perché sur une colline des Monts du Lyonnais, elle perpétue la réalisation de rubans de qualité.

Aujourd'hui les rubaniers à Saint-Étienne et sa région sont beaucoup moins nombreux qu'autrefois mais produisent autant. L'usine Neyret fonctionne aux trois-huit, les machines marchant le jour comme la nuit.

Cette entreprise concilie savoir-faire traditionnel, créativité (studio de développement) et innovation. Elle poursuit sa croissance, en particulier à l'exportation (35 % du chiffre d'affaires se fait à l'étranger). Elle emploie cent-trente-cinq personnes. Tout est produit en France, à Grammond  et à Saint-Etienne. Il n'y a aucune délocalisation. Elle possède une cinquantaine de métiers, en particulier des métiers Jacquard mis au point par le Lyonnais Joseph Marie Jacquard en 1801, qui sont depuis régulièrement améliorés et automatisés, produisant aujourd'hui la plupart des tissus à motifs pour l'habillement, le linge, l'ameublement, etc. L'usine ne fournit pas que des rubans à motifs. Elle en propose aussi d'unis.

Tous les rubans qui sortent de ses métiers sont d'une confection supérieure : qualité et densité (nombre) des fils, finition, etc., sur de grandes largeurs de rubans comme sur de très fins. C'est la seule entreprise en Europe alliant qualité et volume de production. Elle innove constamment (marqueurs technologiques permettant de lutter contre la contrefaçon...).

La devise de la maison est : « Rien n'est acquis à l'homme, ni sa force, ni sa faiblesse. »

Cette entreprise entretient de très bonnes relations avec le Musée d'Art et d'Industrie de Saint-Étienne à qui elle a légué une partie de son patrimoine ancien (métiers, échantillons, etc.). Une de ses principales règles est la discrétion, celle-ci alimentant des enseignes françaises réputées. Je n'ai pas eu le droit de prendre des photographies de l'intérieur. Les illustrations des métiers et des rubans ont donc été fournies par l'entreprise ou glanées sur un de ses sites internet.

Le Musée d'Art et d'Industrie de Saint-Étienne rend hommage au ruban d'hier et d'aujourd'hui dans une exposition intitulée Le ruban, c'est la mode qui se déroule jusqu'au 2 janvier 2017.

La rubanerie est une activité qui connut beaucoup de succès à Saint-Étienne et dans sa région (des monts du Velay à ceux du Lyonnais et du Forez).

Ce long et fin tissu tenait une place très importante dans la mode, et la conserve en partie aujourd'hui. Il permettait d'embellir les vêtements et la tenue. Les professionnels de la mode l'utilisaient (et l'utilisent encore) dans leurs compositions. Et tout un chacun avait la possibilité, grâce à cet ornement, de se faire artiste, de donner du cachet à un habillement trop sobre, de la sensibilité. C'était un signe. La manière de le nouer, l'endroit où on le mettait, sa qualité, sa délicatesse, sa couleur, son nombre... tout signifiait, parlait. Le ruban était choisi avec beaucoup de minutie, chez les plus riches comme chez les plus pauvres. Il permettait à ces derniers ou dernières de montrer la richesse de leur âme, et qu'ils auraient pu rivaliser avec le grand goût et être dans le bon ton s'ils avaient eu de l'argent. Le ruban c'était un sourire... une touche de fantaisie. C'était la mode, dans la mesure ou il pouvait se changer facilement, contrairement aux habits qui n'étaient pas jetables comme aujourd'hui, mais qui se gardaient longtemps et même se transmettaient. Avec quelques rubans on prenait la couleur en vogue, le nouveau tissu, etc. « C'est la mode » encore aujourd'hui, car sans lui il ne pourrait y en avoir. Il permet de soutenir les gorges (les seins), de tenir les sous-vêtements, se noue en lavallière, etc.

Autrefois on en portait depuis le haut de la tête jusqu'aux chaussures et cela chez les femmes comme chez les hommes. Pour se rappeler son importance dans la mode du XVIIIe siècle il suffit de regarder les images des articles que j'ai écrits sur l'exposition sur la peintre Madame Vigée Le Brun qui a eu lieu récemment à Paris : voir ici.

Au XVIIe siècle on le nomme de même 'galant' ou 'galan'. Dans la première édition (1694) du Dictionnaire de L'Académie française il est écrit au sujet du 'galant' : « Il signifie aussi, Un ruban qu'on met sur les habits, sur le chapeau ou en quelque autre endroit par ornement. » On parait d'un ou plusieurs rubans l'épée, la canne, le chapeau, les cheveux, le cou, les habits, les manchettes, les genoux (jarretelles), les souliers, etc. On en faisait tomber certains sur les cuisses (au XVIIIe siècle en particulier, les hommes avaient ainsi des rubans qui tenaient des breloques comme une montre, un sceau, etc.). Une femme ou un homme pouvait en avoir des dizaines sur lui. Pour de grandes occasions les chevaux en étaient parfois garnis. On en mettait même aux animaux domestiques. Pour se donner une idée de l'utilisation très importante des rubans il suffit de lire la Description de la magnifique et superbe entrée du Roi et de la Reine en la ville de Paris datant de 1660. Voici quelques passages : « …et tant les officiers que les soldats, ils étaient tous si galamment et si richement vêtus […] On eut dit qu'à eux seuls ils avaient épuisé les plumes et les rubans, tant ils en étaient chargés […] le Roy […] vêtu d'un habit tout de broderie d'argent [...], mêlé de perles, et garni d'une quantité merveilleuse de rubans incarnat et argent […] le Marquis de Mont-Gaillard […] monté sur un beau cheval gris, orné de force rubans… »

L'histoire de ce tissu remonte au moins à l'Antiquité qui utilisait énormément ce qu'on appelle des bandelettes. Certaines servaient à serrer la taille, d'autres se plaçaient dans les cheveux, etc. L'exemple du Diadumène, statue attribuée au sculpteur grec du Ve siècle av. J.-C. Polyclète, qui représente un athlète ceignant sa tête du bandeau de la victoire, en est un exemple célèbre. D'autres étaient cousues sur les drapés. Les Grecs n'étaient pas les seuls à les utiliser ; les romains faisaient de même, et sans doute beaucoup d'autres civilisations. C'est peut-être au Moyen Âge qu'il prit une connotation amoureuse et protectrice, la dame nouant un bout de tissu à la tenue de son chevalier. Le XVIIIe siècle, particulièrement galant, en mettait partout. C'était sans doute le symbole le plus utilisé dans les décorations de cette époque. Une sorte de ruban très célèbre est celui que porte le berger Céladon dans le roman pastoral du début du XVIIe siècle, L'Astrée d'Honoré d'Urfé, qui se déroule dans la région du Forez, près de Saint-Étienne. Il s'agit de rubans verts. Son nom sert encore aujourd'hui à désigner une couleur particulière.

Les rubans et le vert sont deux symboles de Saint-Étienne, ville qui de la fin du XVIIIe siècle jusqu'à la seconde guerre mondiale était le grand centre mondial de fabrication de rubans de soie, avec sa région et ses innombrables métiers à tisser que l'on retrouvait jusque dans les campagnes les plus reculées (voir mon article intitulé Industrie de la mode : l'exemple de la région stéphanoise). De nos jours cette activité existe toujours. J'en parlerai dans un prochain article consacré à l'entreprise Neyret fabricant en particulier de rubans et étiquettes tissées pour l'industrie du luxe, ainsi que des rubans pour médailles et écharpes tricolores. D'autres usines produisent par exemple des bandages, des sangles industrielles et des ceintures de sécurité comme l'entreprise Samuel Roche, etc.

Photographie du haut : « Corset, vers 1900. Sans griffe. Collection Le Paon de Soie. »

Photographie de gauche : « Portrait de la Dame du Major Ranchon, huile sur toile, Georges Rouget, 1830, collection Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Étienne Métropole, n°inv. 43.4.401, crédits photographiques Yves Bresson. »

Photographie de droite : « Yves Saint Laurent. Robe du soir, collection Haute Couture printemps-été 1996. © Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent : photo Guy Marineau. »

Photographie de gauche : « Cartes de rubans pour bretelle et ruban lingerie pour épaulettes, marque Divette, Charleston, vers 1930, Saint-Étienne, collection Musée d'Art et d'Industrie © Laurent Guéneau. »

Ci-dessous quelques photographies que j'ai prises au Musée d'Art et d'Industrie de Saint-Étienne.

L'EXPOSITION PERMANENTE du musée présente plusieurs métiers à tisser anciens.

Certains de ces métiers à tisser du XIXe siècle avec leurs cartes perforées rappellent l'ancêtre de l'ordinateur.

Ci-dessous : Mise en carte d'une œuvre reproduite en petits carrés, ce qui permettra ensuite de la tisser.

La soie était une des matières les plus utilisées à Saint-Étienne pour la fabrication de rubans.

Échantillons de rubans anciens.

On ne fabrique pas des rubans que pour la mode. Quel alpiniste chevronné n'a pas un jour remercié le fabricant des sangles auxquelles il était attaché ?

UNE EXPOSITION DE PHOTOGRAPHIES montre l'emprunte du tissage de rubans à Saint-Étienne et dans sa région, avec une architecture spécifique : un plafond haut, de grandes fenêtre et de l'espace pour faire passer la lumière (le plus souvent un jardin).

Ateliers en ville.

Ferme aménagée pour accueillir des métiers à tisser.

L'EXPOSITION LE RUBAN C'EST LA MODE.

Autoportrait présumé de Benjamin Delapierre (Lyon, 1780) en robe et coiffe d'intérieur.

Portrait de Madame Casimir Périer par Louis Hersant, de vers 1820.

Capote de paille de vers 1840 - 1845 et canotier de vers 1930.

Robe 1920.

L'exposition présente aussi des exemples régionaux traditionnels.

Portrait d'Étienne Faure dit Auguste (1789-1859), fabricant de rubans, avec son ruban de chevalier de la Légion d'honneur, par Gabriel Tyr.

Registre d'échantillons de rubans recueillis par le Maréchal de Richelieu, vers 1732 - 1737.

Registre d'échantillons de rubans recueillis par le Maréchal de Richelieu, vers 1735 - 1737.

Rubans élastiques.

Autres usages des rubans.

Utilisations du ruban dans la Haute-couture.

Je rappelle enfin le partenariat de cette exposition avec La Chapellerie Atelier-Musée du Chapeau.

La semaine dernière je me suis rendu dans une région très imprégnée d'une industrie de la mode plusieurs fois centenaires : autour de Saint-Etienne, dans la Loire. Les paysages rappellent cette histoire leurs usines, leurs immeubles ou maisons ateliers aux grandes fenêtres donnant sur un jardin ou un grand espace laissant passer totalement la lumière, les traboules (couloirs permettant de traverser rapidement la marchandise sous les immeubles en évitant les intempéries) dans certaines villes comme Saint-Etienne (ou Lyon), etc.

C'est du reste surprenant de passer de paysages industriels à d'autres très bucoliques, rappelant encore le roman L'Astrée d'Honoré d'Urfé (XVIIe siècle) se situant dans cette région, avec son fameux berger Céladon qui portait un ruban vert qui a donné son nom à une couleur. Lorsque l'on vient en train, ou passe en voiture dans les villes, on ne ressent bien sûr pas du tout cette atmosphère bucolique, mais davantage celle d'une industrie très présente autrefois ; ni même lorsqu'on emprunte les autoroutes qui charcutent véritablement les paysages. Mais si l'on prend le temps de rentrer dans les campagnes, de monter dans les collines, de suivre la Loire, de repérer les ruisseaux, on entre dans une autre atmosphère. Du reste les personnes travaillant dans cette industrie en particulier liée à la mode, étaient pour la plupart des ouvriers-paysans. Ceci permit de garder un certain équilibre entre la ville et la campagne.

Cette industrie créa des métropoles comme Saint-Étienne, et permit à des villages de se développer par l'intermédiaire de petites manufactures, puis usines, dès la seconde moitié du XVIIIe siècle, mais surtout au XIXe, et grâce à d'innombrables maisons-ateliers installées jusque dans les plus petits villages et même parfois dans des fermes réaménagées, produisant pour d'importantes manufactures et usines de la région situées dans une grande ville alentour, Lyon (soie), Saint-Étienne (rubans) et Tarare (mousseline) étant sans doute les principales.
La main-d'oeuvre autrefois en particulier paysanne, le resta pendant longtemps (jusqu'à même la Seconde Guerre mondiale), travaillant en période froide en manufacture, usine ou même sur un ou deux métiers personnels (à la maison), et pendant la saison chaude dans les champs. Ce système existait bien sûr aussi pour d'autres fabrications liées à la mode (comme la dentelle...) ou non, et même avant l'arrivée des premières manufactures, l'hiver ayant toujours été consacré à des travaux d'intérieur alors que l'été à ceux d'extérieur.

Dans trois prochains articles de mon blog je vais écrire sur trois visites que j'ai faites en moins de deux jours dans le département de la Loire : le Musée d'Art et d'Industrie de Saint-Etienne et son exposition Le ruban c'est la mode ; l'usine de l'entreprise Neyret de Grammond, fabriquant des rubans de haut-de-gamme (étiquettes de vêtements de luxe, rubans prestigieux...) et existant depuis près de deux-cents ans et dans la même famille depuis plus de sept générations ; et la Chapellerie Atelier-musée du chapeau à Chazelles-sur-Lyon.

Mais avant cela je souhaite ici parler de l'industrie de la mode et de son origine en France. Contrairement à ce qu'on pourrait croire, ce n'est pas l'industrie qui est à l'origine de la mode dans ce pays mais les Français et en particulier les élégant(e)s ; notamment toutes les personnes dont je parle dans mon livre sur Les Petits-maîtres de la mode. Je m'explique : La mode en France a une origine antique. Elle a continué d'occuper une très grande place au Moyen-Âge et par la suite. Depuis l'époque médiévale, plusieurs rois, constatant que les Français dépensaient des sommes faramineuses dans l'achat d'articles étrangers (venant en particulier d'Italie mais aussi de bien plus loin) pour se vêtir, être élégant et dans le bon ton, publièrent des édits imposant plus de sobriété dans les tenues. En 2007 j'ai écrit un rapide article sur ce sujet visible ici. Mais le goût français pour l'élégance et la beauté, fit que ces édits ne furent pas suivis, et qu'une partie des devises du royaume continuèrent de s'évanouir à l'étranger. Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), contrôleur général des finances et ministre de Louis XIV, décida donc d'importer les savoir-faire étrangers, en particulier italiens, en France, créant ainsi les premières grandes manufactures du luxe françaises qui devinrent très rapidement les premières en Europe, les Français étant toujours à l'époque à la recherche de l'excellence (on est alors dans ce qu'on appelle le Grand-Siècle). Dans le même temps il créa de nombreux comptoirs dans le monde et des compagnies commerciales internationales : la Compagnie des Indes orientales (Océan indien), la Compagnie des Indes occidentales (Amériques), et la Compagnie du Levant (Méditerranée et Empire ottoman). Tout cela concernait en partie la mode, pour la soie et les tissus imprimés venus d'Inde par exemple. De même les nouvelles manufactures n'étaient pas toutes liées à la mode, bien au contraire ; mais la plupart se caractérisaient par la supériorité de leur fabrication.

Depuis l'après-guerre et la génération du prêt-à-porter, on a assisté à un mouvement inverse, l'industrie de la mode française faisant fabriquer à l'étranger (souvent dans des dictatures comme la Chine, la Birmanie, etc.) et cherchant avant-tout à sensibiliser une clientèle hors 'royaume' ;-) mondialisée, ne conservant jalousement intra-muros que quelques rares savoir-faire, et surtout tout le rêve que des siècles de modes et d'élégances françaises ont imprimé dans les esprits, une songerie encore très présente dans le territoire, notamment dans les anciennes régions productrices qui ne demandent qu'à continuer à fabriquer et exceller dans ce domaine... tout simplement.

Dans la région du département de la Loire plusieurs musées rappellent cette histoire avec :

- Saint-Etienne et son Musée d'Art et d'Industrie ;

- Chazelles-sur-Lyon et son Musée du Chapeau ;

- Panissières, son Musée de la Cravate ;

- Bussières, son Musée du Tissage et de la Soierie ;

- Charlieu, son Musée de la Soierie ;

- Cervières, son Conservatoire de la broderie à fil d'or (à noter que la vidéo d'introduction de ce site est très intéressante, surtout lorsque l'on connaît l'importance de la broderie dans la mode française d'Ancien Régime).

Il y a de plus quelques villes emblématiques autour de la Loire, comme Lyon avec son Musée des Tissus, ses traboules et très vieilles maisons liées au tissage. À Tarare on fabriquait la fameuse et très en vogue mousseline ! Du reste tous les cinq ans y est organisée une Fête des Mousselines. Citons enfin Le Puy en Velay pour sa dentelle et son Centre d'Enseignement de la Dentelle au Fuseau.

Photographie du haut : Métier à tisser moderne. Photographie provenant du site du Musée du Tissage et de la Soierie de Bussières.

Photographie de gauche : Grenadière au travail (brodeuse à fil d'or). Photographie du film du site du Conservatoire de la broderie à fil d'or de Cervières.

Photographie de droite : Même origine que ci-dessus.

Photographie de gauche : « Vue des ateliers de passementiers, rue Denis Epitalon, Saint-Etienne, 2015. © Jean-Claude Martinez. »

Photographie de droite : « Redingote en twill de soie jaune, agrémentée de passementeries et de pompons de soie coordonnée. Ceinture à nouer en ruban de soie façonnée et coordonnée. Vers 1815. Collection Le Paon de Soie, n°inv. 2011.1.292. » Exposition Le ruban c'est la mode du Musée d'Art et d'Industrie de Saint-Etienne.

Photographie ci-dessous : Vue depuis le Conservatoire de la broderie à fil d'or. Photographie provenant du site du Conservatoire de la broderie à fil d'or de Cervières.

Le Projet de loi relatif à la liberté de la création, à l'architecture et au patrimoine se termine. Une Commission mixte paritaire va maintenant être chargée de proposer un texte sur les dispositions restant en discussion, avant d'être définitivement voté dans chacune des deux assemblées. Il est difficile de s'y retrouver car le dossier législatif ne présente, jusqu'à la loi définitivement votée, que les morceaux du texte encore en discussion, pas la rédaction en entier. La dernière version ne publie que les articles qui ont été dernièrement changés ou ajoutés. Au cours des discussions au Parlement de nombreux articles ont été additionnés et d'autres modifiés, faisant d'un texte décrit par certains parlementaires comme un fourre-tout, un véritable n'importe quoi.

Pendant ce temps l’État continue de vendre le patrimoine prestigieux public. Alors que j'en ai parlé la semaine dernière dans cet article, voilà que je lis dernièrement dans la revue Le Point du 26 mai 2016, dans un article que l'on peut consulter en cliquant sur la photographie ci-dessus, que non seulement est vendu le château de Grignon, « château Louis XIII inscrit aux Monuments historiques », mais aussi que, comme je m'en doutais, cela fait partie d'une volonté de l’État, depuis plusieurs années, de se débarrasser d'une partie du patrimoine national par l'intermédiaire de France Domaine, qui comme l'explique Wikipédia, est un service créé en 2007, dont l'un des objectifs est de « revendre les biens immobiliers les plus valorisés » appartenant à l'État. C'est ainsi que j'ai appris, en cherchant cinq minutes, que le Ministère de la Défense vend aussi une ancienne caserne du XVIIIe siècle à Fontenay le Comte (19, rue Kléber - 85200) comprenant notamment un hôtel particulier (voir ici). Ceci dit, peut-être sera-t-elle achetée par la région ou la mairie... ?

Le Festival d'histoire de l'art de Fontainebleau c'est cette fin de semaine du vendredi 3 juin 2016 au dimanche 5 juin 2016. J'ai trouvé ce festival vraiment très bien l'année dernière ! De qualité, gratuit et dans un lieu très prestigieux.

Photographie ci-dessus : « L’ange au sourire de la cathédrale de Reims, XIIIe siècle. © Creative Commons – Eric Santos. »

Photographies ci-dessus de Béatrice Lécuyer Bibal, Giles Gardner, Guillaume Crochez, Lourdel Chicurel et Yann Piriou.

Photographies ci-dessous prises lors de ma visite du château.

L'histoire de l'Art a connu de nombreuses Renaissances en France ; ce que l'on peut aussi appeler des modernités, car rassemblant et inspirant ce que l'époque a de plus moderne. Le château de Vaux-le-Vicomte, construit entre 1658-1661 près de Paris pour Nicolas Fouquet (1615-1680), marque une d'entre elles : les débuts du classicisme. Pour cela le surintendant des finances de Louis XIV fait appel notamment à l'architecte Louis Le Vau, le peintre Charles Le Brun, le paysagiste André Le Nôtre et le maître-maçon Michel Villedo. Même Nicolas Poussin aurait été appelé pour la décoration du jardin. Tous travaillent de concert pour élaborer ce chef-d’œuvre. Vendu par la suite plusieurs fois, ce domaine appartient maintenant à une même famille depuis plus d'un siècle (1875). Aujourd'hui il s'agit de la plus importante propriété privée de France.

Lorsqu'on arrive au domaine, la première chose que l'on remarque c'est la grille et ses huit piliers en forme d'hermès (termes) à double face représentant diverses divinités, dont la sculpture pour plusieurs n'est pas achevée.

Le jardin est le premier élément mis en place à partir de 1653-1654, alors que la construction du château débute en 1656. Il est en harmonie avec le bâtiment et joue avec les perspectives.

On entre dans le château en passant par une cour dans laquelle on est enveloppé, la perspective étant toute entière portée vers la façade du château sur laquelle on trouve plusieurs écussons avec la marque de Nicolas Fouquet : l'écureuil.

Après avoir monté les marches, on ne rentre pas vraiment dans le château mais dans le jardin. En effet originellement il n'y a pas de portes mais seulement des grilles, côté cour (entrée) comme côté jardin (salon ovale) ; et la perspective est « traversante » jusqu'au fond du jardin à 1 800 mètres. Ce lien avec le jardin ou la nature se retrouve dans de nombreux châteaux, clos par la suite par des portes et fenêtres, mais préalablement ouverts aux quatre vents, simplement fermés par des grilles. À Vaux-le-Vicomte on est donc encore à l'extérieur (dans un extérieur abrité) dans le salon ovale ; et de là on entre notamment directement dans la chambre du Roi (qui a une grande cheminée évidemment). Ce salon dit « en rotonde » ou « en lanterne » est particulièrement original pour l'époque. Il est presque aussi haut que large (19 m. et 18 m.), et donne donc sur les appartements du Roi d'un côté et de l'autre ceux de Nicolas Fouquet.

Ci-dessous quelques salles.

La salle à manger est une pièce moderne, car n'existant pas avant le XVIIe siècle.

Aujourd'hui le toit se visite (avec supplément).

L'agenda du château pour l'année 2016 est visible ici.

À noter Le déjeuner et défilé au Grand Siècle au château le dimanche 26 juin, de 10h à 17h30. Il s'agit d'un déjeuner sur l’herbe à la mode du Grand Siècle, c'est-à-dire en costumes d'époque.

Citons aussi tous les samedis soirs du 7 mai au 1er octobre, Les soirées aux chandelles.

Je botanise régulièrement entre Achères Grand Cormier et Maisons Laffitte. À Achères Grand Cormier le RER me dépose en pleine forêt, ce qui est rare ! Trois constructions peuvent baliser ma promenade dans cette partie de la forêt de Saint-Germain-en-Laye : une croix du XVIIe siècle, une faisanderie construite par Louis XIII et le pavillon de La Muette. Ce dernier a été une première fois érigé en 1515 pour François 1er (voir ici), démoli en 1665 et reconstruit sous Louis XV en 1775 par Ange-Jacques Gabriel. Il s'agit d'un rendez-vous de chasse royal où vinrent Louis XV, Louis XVI, Napoléon 1er, Charles X, Napoléon III…

Le pavillon de La Muette a été acheté récemment par Frédéric Journès et Hristo Mavrev. Ceux-ci sont passionnés par leur acquisition, comme on le constate en parcourant leur site et en venant visiter le lieu le samedi ou le dimanche (voir horaires et dates ici).

Bien que ce bâtiment fût classé monument historique dès 1921, et qu'il fût encore utilisé dans les années 1970, l'établissement public Office national des forêts, à qui a été racheté ce pavillon de chasse, l'avait complètement abandonné ; tellement que le premier étage ne possède plus que quelques poutres, que l'eau traverse la toiture et que la cheminée de la salle principale a été volée ainsi que certainement d'autres éléments.

Aujourd'hui le site semble en de meilleures mains. Ses nouveaux propriétaires le connaissent bien, notamment grâce au mémoire de Marie Marguerite Roy de L’École du Louvre qui lui est consacré, mais qui n'a pas encore été publié. Comme l'explique M. Journès : « Madame Roy a exhumé par le menu les détails de la construction et les correspondances de Marigny et Angivilliers, les architectes en chef des bâtiments du roi, avec l'exécuteur du projet de Gabriel, Nicolas Galant. Il y a des détails très vivants sur les cheminées, réemplois du garde meuble, l'exécution des décors de menuiseries, les moindres détails de l'aménagement. Cela vaut aussi la peine de faire la visite pour comprendre la stéréotomie des tailles de pierre des sous-sols, qui m'a été montrée par un compagnon et qui a stupéfait les architectes MH avec lesquels nous travaillons. Et il y a pour finir un tour de force dans la conception de la façade nord qui ne se comprend qu'en se déplaçant. »

La tâche de restauration et d'entretien de ce lieu est importante. Je vais essayer de suivre ce parcours de restauration me rendant régulièrement dans cette forêt.

Photographies du haut : Vues d'ensemble. Le chemin de forêt, en face du bâtiment, va en droite ligne sur plusieurs kilomètres jusqu'au château de Saint-Germain.

Photographie de gauche : De gauche à droite, la maison du garde chasse, le pavillon et le puits.

Photographie de droite : Le Pavillon vu de dos, avec son belvédère.

Photographies ci-dessous : Le Pavillon vu de côté et dépendance.

Photographies ci-dessous : Vestibule central. Les boiseries sur les murs sont d'époque Louis XV de même que le pavement.

Photographies ci-dessous : Salle des officiers des chasses. La cheminée en marbre rose est d'époque Louis XIV, ramenée de Versailles par Louis XV. Elle possède un élément en ferronnerie d'art du XVIIIe siècle représentant Hercule-Héraklès filant aux pieds d’Omphale. Ici le carrelage n'est pas d'époque mais la boiserie sans doute que si.

Photographies ci-dessous : Salle octogonale, surmontée d'une terrasse belvédère destinée à suivre les chasses. La grande cheminée de cette salle a été volée.

Photographies ci-dessous : Escalier avec de belles formes.

Photographies ci-dessous : Sous-sol comprenant une première salle avec à gauche des réchauffoirs (pour faire réchauffer les plats) et un four à pain, et une seconde salle plus petite avec un four avec un mécanisme automatique pour rôtir du XVIIIe siècle provenant du château de Saint-Cloud.

Photographies ci-dessus : Pavement de la chapelle de la Bâtie d'Urfé provenant de l'atelier de Masséot Abaquesne, datant de 1557 et conservé au musée national de la Renaissance d'Écouen.

Dans l'histoire de la céramique française certains noms raisonnent particulièrement aujourd'hui : Palissy, Poterat, Clérissy, Hannong, Abaquesne... L'exposition Masséot Abaquesne, l'éclat de la faïence à la Renaissance, qui a lieu du 11 mai au 3 octobre 2016 au Musée national de la Renaissance du Château d'Écouen près de Paris, est la première rétrospective sur cet artisan/artiste, considéré comme le premier faïencier français, ayant produit de très nombreux carreaux et pots d'apothicaire.

Cette exposition, organisée par le Musée national de la Renaissance en partenariat avec le Musée des Beaux-arts et de la Céramique de Rouen, rassemble des œuvres conservées dans de nombreux endroits en France mais aussi quelques-uns venant d'autres pays d'Europe. Elle se déroule dans trois grandes pièces du château, présentant la production de l'atelier de cet homme, né à Cherbourg et actif à Rouen dès 1526, dans le contexte de la faïence de son temps.

La première partie est sur ses débuts (1526-1545), décrivant la production de faïences à cette époque, en particulier italiennes et anversoises, en la comparant aux premières œuvres de Masséot Abaquesne, comme son pavement pour le château d'Écouen, pour le connétable Anne de Montmorency, ainsi que les panneaux historiés illustrant Mucius Scaevola et Marcus Curtius, conservés au musée Condé mais pas présents dans l'exposition.

Photographies ci-dessous : Détails du pavement de la chapelle du château de Fère-en-Tardenois (Aisne) de l'atelier de Guido Andries à Anvers et datant d'avant 1538, anciennement attribué à Abaquesne. »

Photographie ci-dessous : Détail du « Premier pavement. Masséot Abaquesne. 16 ème siècle. Céramique. 11,3 x 4,07 m. © RMN-Grand Palais (musée de la Renaissance, château d'Ecouen) / Mathieu Rabeau / René-Gabriel Ojéda. »

Photographies ci-dessous : « Marche d'autel composée d'un assemblage de carreaux. Masséot Abaquesne. Vers 1530. Faïence. 3,26 x 1,84 m. Chapelle du château de la Bastié d'Urfée. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Martine Beck-Coppola. »

La seconde partie couvre les années 1540-1550, où la production de Masséot Abaquesne est à son apogée, avec quelques-unes de ses grandes réalisations : pour le connétable (pavement de 1551 pour le château d'Écouen, triptyque de l’Histoire du Déluge) et pour la Bâtie d’Urfé en 1557. Des pots d’apothicairerie, signés par Masséot Abaquesne mais aussi son fils Laurent, sont aussi présentés. Ils ont été produits en 1544, et font partie d'un ensemble de plus de quatre mille pièces d'une commande d’un certain Pierre Dubosc. Seulement environ soixante-dix de ces pots, principalement des chevrettes et albarelli seraient aujourd'hui conservés. « C’est l’occasion pour le faïencier de développer tout un répertoire de portraits de fantaisie et de motifs végétaux inspirés des modèles anversois. »

Photographies ci-dessous : « Pavement du Déluge. Masséot Abaquesne. Vers 1550. Faïence. 1,38 x 0,95 m. © RMN-Grand Palais (musée de la Renaissance, château d'Ecouen) / René-Gabriel Ojéda. »

Photographies ci-dessous : « Albarello. Masséot Abaquesne. 1544. Faïence. 20,4 x 11 cm . © RMN-Grand Palais (musée de la Renaissance, château d'Ecouen) /Adrien Didierjean. »

Photographies ci-dessous : « Gourde armoriée de l'abbé de Lisieux. Masséot Abaquesne. Vers 1545. Faïence. 35 cm. © RMN-Grand Palais (Sèvres, Cité de la céramique) / Jean-Claude Routhier. » Photographie de droite personnelle.

Photographies ci-dessous : Pots d’apothicaire d'Abaquesne.

La troisième partie remet à jour certaines anciennes attributions lui étant attribuées. Elle commence par une rapide mais très intéressante évocation de la production de carreaux à glaçure plombifère, avant d'aborder la question des autres pavements de faïence contemporains de l’atelier d’Abaquesne et de leurs attributions.

Photographie ci-dessous : Ces carreaux en faïence ne proviennent ni d'un intérieur des années 1960, ni d'une production coréenne ou chinoise ancienne, mais d'un pavement du château du Bellay à Hénouville en Seine-Maritime produit par un atelier de Lisieux dans la première moitié du XVIIe siècle.

Photographies ci-dessous : Carreaux de pavement en grès émaillé, de vers 1520, de l'atelier de Brémontiers-Massy et conservés au musée d'Écouen.

Photographies ci-dessous : Détails d'un pavement datant de 1545 du château de Polisy produit par un atelier champenois.

Le Château d'Écouen, est un lieu particulièrement bien choisi pour une exposition rétrospective sur Masséot Abaquesne qui a produit pour ce bâtiment des milliers de carreaux. Le musée contient aussi de très nombreux autres objets d'art du XVIe siècle, que l'on peut ensuite découvrir avec délice, pour ceux qui ne l'ont pas déjà fait. Lors de ma visite pour le vernissage presse je suis arrivé en avance. En attendant j'ai pu constater que des perruches jaunes étaient autour du château, car je les voyais virevolter et chanter. Comme cela me semblait étrange, j'ai fait une recherche sur internet, et ai trouvé cet article du Parisien décrivant ce phénomène.

Photographies ci-dessous : Domaine du château.

Un article vient d'être publié dans le hors-série Histoire du journal La Provence de mai-juin 2016 sur le sujet des Petits-maîtres de la mode.

Voir ici

Avril est un mois merveilleux, où la nature se réveille et se régénère. De nombreuses fleurs poussent, et les arbres se parent de bourgeons d'un vert tendre et précieux.

Photographie ci-dessus prise la semaine dernière à Paris, à la fontaine des Haudriettes, située dans le troisième arrondissement, construite en 1764 par l'architecte Pierre-Louis Moreau-Desproux.