LA MESURE DE L’EXCELLENCE

Photographies 1 et 2 : 'Le lever des grisettes'. Estampe d'époque 1802-1812. © Photographies LM. Un autre exemple est ici. Celle-ci a un pendant : Le coucher des grisettes.
J'ai plusieurs fois dit dans ce blog que j'allais faire des articles sur les petites mains de la mode française dont elles sont une partie intégrante et importante. Je suis donc heureux de constater que du 14 octobre 2011 au 15 janvier 2012, la Maison de Balzac à Paris accueille une exposition intitulée : Elle coud, elle court, la Grisette... « Une centaine d’œuvres de toute nature (peintures, caricatures, faïences, livres et journaux illustrés, partitions, échantillons d’étoffe) sont réunies en un parcours décliné suivant cinq thèmes, au cœur de la représentation de la grisette au temps de Balzac (1815-1850). Pour chaque section, des chansons de la première moitié du XIXe siècle, spécialement sélectionnées pour le parcours, ont été interprétées par Le Hall de la chanson, et font l’objet d’une diffusion sous des bonnets ou chapeaux sonores.  I – La grisette en conditions II – Constellation grisette III – À quoi reconnaît-on une grisette ? IV – Les plaisirs et les jours… et les nuits ! V – Fil et profils : du trottin à la passante. »
Photographie 3 : Livret d’époque 1838 d’une pièce de théâtre intitulée Un Bal de grisettes. Vaudeville en un acte (Paris). © Photographie LM.
Photographie 4 : Illustration intitulée « La grisette » du chapitre LXIV « Les grisettes et les lorettes » de Tableau de Paris d'Edmond Texier de 1853 (tome second). © Photographie LM.
La GRISETTE est un personnage important de la mode française. Depuis le XVIIe siècle des textes relatent la beauté des couturières, vendeuses et autres petites mains de la mode dans ce quartier du bon goût qui entoure le Palais-Royal. Si leur vie à Paris est celle de travailleuses à bas salaires, elles y trouvent une certaine liberté, de l'espoir d'ascension sociale parfois réalisée, et pour les plus belles peuvent jouir de la galanterie de la capitale française où tous aiment à badiner.
Dès 1797, année de sa fondation, le Journal des Dames et des Modes rend hommage à la grisette dans sa planche n°33 : « Costume parisien. Grisette en négligé du matin, faisant sa provision au marché des Quinze-Vingts » (Voir ici cette estampe). Il existe plusieurs estampes de dames représentées de cette manière comme ici : Femme de qualité en grisette (1683), ou ici : La Grisette (1776).
Voici des représentations de grisettes au XIXe siècle : Les grisettes de Paris (1856) ; dessin à la plume, encre brune et aquarelle de Constantin Guys (1802-1892) intitulée Grisette au tablier jaune.
Au XVIIIe siècle on emploie surtout le nom de 'grisette' pour signifier de jolies petites mains : des ouvrières souvent employées dans la mode. Jeunes, sans fards, assez pauvres, elles peuvent avoir une réelle vénusté. Et même si certaines élégantes du XVIIIe et avant font œuvre d’un raffinement extrême, la beauté brute n’est jamais méprisée en France, au contraire (comme en témoigne le goût pour les pastorales) et cela de tous temps. Cependant ce nom au XVIIIe siècle garde une signification liée à une condition médiocre ; et il faut attendre l'édition de 1832-5 du Dictionnaire de L'Académie française pour que soit ajoutée à cette définition celle « d'Une jeune ouvrière coquette et galante » : « se dit aussi d'Une jeune fille ou d'une jeune femme de médiocre condition ; et, plus particulièrement, d'Une jeune ouvrière coquette et galante. Il n'y avait que des grisettes à ce bal. Il ne voit que des grisettes. Ce sens est familier. » Le terme désigne souvent des ouvrières ou employées de maisons de modes et de beautés, gracieuses et se laissant courtiser assez facilement : « couturières, modistes, fleuristes ou lingères, enfin tous ces gentils minois en cheveux, chapeaux, bonnets, tabliers à poches, et situés en magasins » (Balzac, Œuvres div., t. 2, 1831, p. 277). « Quand la grisette assise, une aiguille à la main, Soupire, et de côté regardant le chemin, Voudrait aller cueillir des fleurs au lieu de coudre » (Hugo, Châtim., 1853, p. 347). La grisette est un personnage coutumier de la littérature de la première moitié du XIXe siècle : pièces (comédies, vaudevilles …), opérettes, romans, chansons … la mettent en scène. Mais ce mot est petit à petit remplacé par d'autres sans doute du fait de sa connotation péjorative : 'grise'.
Photographie : Carte postale semblant avoir un tampon de La Poste de 1905 d'une série intitulée « Comment ils déjeunent » avec ici « IV. Le trottin. » © Photographie LM.
Comme son nom l’indique, la COUSETTE est employée dans les maisons de couture.
Le TROTTIN désigne plus que des petites-mains de la mode  : des petits pieds qui « trottent » dans Paris entre clients et marchands … avec des boîtes à chapeaux sous le bras ou d'autres parures de mode. Le terme est ancien. Au XVIe siècle on appelle « trottins » les « pieds ». Au XVIIe on désigne ainsi un  petit laquais ou petit commis qui fait les courses ou le coursier, puis au XIXe siècle aussi une apprentie ou jeune ouvrière modiste, couturière ou autre chargée de faire les courses et des livraisons. Ce terme est encore employé dans la première moitié du XXe siècle. On utilise aussi les mots de trottin' et 'griset' pour désigner les équivalents masculins.
Photographie : Estampe du XIXe siècle signée Ferocio et Birouste intitulée : « Le griset du Midi. » © Photographie LM.

© Article LM

Du 13 octobre au 16 janvier 2012 , le Louvre présente une exposition intitulée : Au Royaume d’Alexandre le Grand. La Macédoine Antique.
« Cinq cents œuvres retracent l’histoire de la Macédoine antique depuis le XVe siècle avant notre ère jusqu’à la Rome impériale. L’exposition, dont le commissariat est à la fois grec et français, invite à découvrir la richesse du patrimoine artistique de la Grèce du Nord, un patrimoine encore méconnu du grand public tant les découvertes sont récentes. Il a fallu attendre 1977 et la mise au jour à Vergina de plusieurs sépultures royales, parmi lesquelles celle, intacte, de Philippe II, le père d’Alexandre le Grand, pour prendre véritablement conscience du potentiel archéologique exceptionnel de cette région de la Grèce. Sur ce site prestigieux, identifié comme celui de la première capitale du royaume de Macédoine, les archéologues ont notamment retrouvé, en 2008, un ensevelissement énigmatique qui imposera sans doute de réécrire l’histoire antique. Portée par l’intelligence politique de ses souverains, dont le plus célèbre reste Alexandre le Grand, la Macédoine antique a pu s’imposer en tant que royaume et s’opposer ainsi à la Grèce des cités. C’est l’histoire de ce royaume au passé glorieux, à l’apogée impressionnante, que dévoile l’exposition. C’est également une mise en lumière de ce qu’étaient en leur temps les tombes de la Grèce du Nord. Car les trésors mis au jour, protégés par les terres des tumuli, sont un témoignage unique de la virtuosité des artistes de l’époque. »
Photographie 1 : « Couronne de feuilles de chêne en or. Deuxième moitié du IVe s. avant J.-C. Vergina (Aiga), sanctuaire d’Eukleia. Or. D. 18,5 et 16,5 cm. Thessalonique, musée archéologique. © Fouilles Université Aristote, Thessalonique. »
Photographie 2 : « Statère d'or d'Alexandre III. IVe s. av. J.-C. Apollonia. Or. D. 1,65 cm. Thessalonique, musée archéologique. © Hellenic Ministry of Culture and Tourism / Archaeological Receipts Fund. »
Photographie 3 : « Portrait d'Alexandre. IIIe siècle av. J.-C. Pella (aux environs de). Marbre. H. 30 cm, l. 27 cm, ép. 27 cm. Pella, musée archéologique. © Hellenic Ministry of Culture and Tourism / Archaeological Receipts Fund. »
Photographie 4 : « Figurine féminine en terre cuite. Fin du IVe s. av. J.-C. Néa Potidaia (Potidée), lieu-dit Pétriotika, sarcophage D. Terre cuite. H. 21,9 cm, l. 7,2 cm, ép. 6,8 cm. Thessalonique, musée archéologique. © Hellenic Ministry of Culture and Tourism / Archaeological Receipts Fund. »
Photographie 5 : « Figurine en terre cuite : Eros endormi. Dernier quart du IVe s. av. J.-C. Pella, nécropole orientale, tombe à ciste (peut-être d'un enfant). Terre cuite. L. 9,5 cm. Pella, musée archéologique. © Hellenic Ministry of Culture and Tourism / Archaeological Receipts Fund. »

Du 12 octobre 2011 au 6 février 2012 le Château d’Ecouen abrite une exposition intitulée Majolique  : La faïence italienne au temps des Humanistes. Celle-ci est organisée par le musée national de la Renaissance du Château et la Rmn-Grand Palais, avec la collaboration du musée du Louvre.
La majolique désigne en français une faïence italienne produite durant la Renaissance, du XVe siècle au XVIe, provenant en particulier de villes de l'Italie centrale comme Faenza. On appelle aussi ainsi certaines productions de manufactures européennes, notamment en France, de la même période, suivant la même inspiration. Cette céramique est nouvelle en Europe, autant par sa fabrication que ses motifs et la façon de les représenter. Le procédé surtout est révolutionnaire : c’est celui de la faïence. Cela consiste à enrober une terre cuite d'un engobe de plomb de couleur crème opacifié à l'étain : ce qu'on appelle l'émail stannifère qui cache la terre et sa couleur ; ensuite on décore en utilisant des couleurs à base d'oxydes métalliques avant une seconde cuisson au grand feu qui permet l'adhérence de la glaçure.
Avant l'Italie cette manière de faire existe en Babylonie, puis en Perse, chez les Arabes, en Afrique du Nord, en Sicile et en Espagne. Le nom de majolique viendrait des faïences lustrées importées d'Espagne par des bateaux de l'île de Majorque « L’autre étymologie du mot maiolica serait une dérivation de l’expression obra de Malica ou de Mallequa, évocation de la cité de Malaga, sur la côte sud de l’Espagne, qui produit des céramiques lustrées très admirées avant de laisser la première place à Valence. Cette vaisselle de très belle qualité, destinée à être exposée plutôt qu’utilisée, pourvue d’un décor lustré resplendissant, est importée en Italie dès le XIVe et surtout au XVe siècle. Elle influence alors considérablement le goût italien, au point de motiver les artisans locaux à fabriquer eux-mêmes des pièces lustrées à partir des années 1480.  » Alors que le mot majolica désigne aujourd'hui en Italie la faïence stannifère, au XVIe siècle elle représente la faïence lustrée des pièces hispano-mauresques. C'est la poterie dorée du Moyen Age. Au XVe siècle le procédé de la majolique est copié à Florence où Lucca Della Robbia (vers 1400-1482) l'applique en architecture ainsi que ses descendants avec de grandes sculptures religieuses en bas-relief. Des ateliers s'ouvrent à Sienne, Urbino, Gubbio, Faenza surtout. Dès 1530 chacun a sa physionomie propre. D'autres ateliers se créent en France à Nîmes, Lyon, Montpellier, Saint-Porchaire. Les premiers connus semblent être Anvers, Lyon et Nevers. Des italiens exportent le procédé de la majolique à Lyon et Anvers, puis de Lyon à Nevers. Le français Masseot Abaquesne (1500-1564) s'installe à Rouen (carrelages du Château d'Ecouen, de La Bâtie d'Urfé, pots à pharmacie etc.) et les frères Conrade (Conrado) venus de la province de Gênes pour s’installer à Nevers (le centre le plus important). Au XVIIe siècle l'Europe comprend de nombreuses manufactures de faïence qui n’ont plus rien rien à voir avec la majolique, développant avec des style particuliers, certaines élaborant leurs décors caractéristiques : faïences de Rouen, Delft, Moustiers etc. Montelupo (XVII-XVIIIe s.) semble être le dernier centre à produire des créations originales de la majolique italienne. Les décors de la majolique de la Renaissance sont avant tout de styles décoratif, historié et mixte. Il y a de nombreux types de décors : a candelieri avec le côté gauche identique au côté droit ; a compendiario qui laisse voir le beau blanc laiteux de l'émail épais enrichi en étain ; a fiamma inspiré de motifs tissés fait de striures parallèles ; a frutti et a foglie à fruits et à feuilles ; à grotesques ; a paesi e architetture ; a quartieri avec des pièces de forme mouvementée couvertes de fonds de couleurs alternées portant des rinceaux et entourant un motif du type a istoriato ; a raffaelesche inspiré du décor créé par Raphaël pour les loges du Vatican ; a trofei avec des trophées ; etc.
La Renaissance italienne, toute remplie d’humanisme, favorise les beaux-arts et les nouvelles techniques artistiques et de fabrication. Les artistes et artisans italiens sont invités dans de nombreux pays et notamment en France. C’est le début de la faïence dans ce pays, parmi d'autres nouveautés venues d’Italie pour mettre en place ce qu’on appelle la Renaissance française. L'exposition organisée par le musée du château d'Ecouen revient en quelque sorte aux sources. Elle présente une centaine de céramiques conservées dans les musées français (musée national de la Renaissance à Ecouen, musée du Louvre, Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Musée Jacquemart-André, musée Antoine-Vivenel à Compiègne...), britanniques (British Museum et Victoria and Albert Museum à Londres, Ashmolean Museum à Oxford...) et italiens (Castello Sforzesco à Milan, Museo Correr à Venise, Museo del Bargello à Florence...). Elle est divisée en différents chapitres qui déclinent l’influence sur la majolique et son décor des démarches artistiques, historiques et littéraires propres au milieu humaniste italien entre 1480 et 1530. Le propos de l’exposition est enrichi par la présence d’un certain nombre d’éditions contemporaines illustrées (Virgile, Tite-Live, Ovide...) dont les textes et les images inspirent la majolique du premier tiers du XVIe siècle. « Une première partie est consacrée au renouveau des motifs décoratifs à la fin du XVe siècle, avec l’apparition et le succès des décors all’antica. Un monde extravagant d’êtres fantastiques mi-humains mi-animaux, de dauphins, masques, putti, vases, cornes d’abondance, trophées et autres grottesche s’empare alors des parois des vases, des ailes des plats et des assiettes, des carreaux de pavement, dans divers centres de production, plus ou moins proches des lieux de création artistique majeurs tels que Sienne ou Pérouse. La seconde section aborde la problématique des décors héraldiques (armoiries, imprese, devises) présents sur les céramiques, en mettant l’accent sur les premiers « services » à proprement parler et sur la relation souvent difficile à appréhender entre artistes et commanditaires. Elle réunit notamment un nombre important de pièces du service d’Isabelle d’Este, marquise de Mantoue (1474-1539), réalisé vers 1524 par Nicola da Urbino, le plus grand peintre en majolique de la Renaissance. La question du portrait de personnages réels ou idéalisés, de figures historiques ou mythologiques est évoquée dans une troisième section. Elle soulève, pour les pièces les plus anciennes de la fin du XV siècle, la passionnante interrogation sur son rôle dans l’apparition du décor a istoriato, c’est-à-dire qui raconte une histoire, dont on situe généralement l’éclosion vers 1500 dans divers centres de production tels que Deruta, Gubbio, Faenza ou encore le duché d’Urbino. La section la plus importante de l’exposition est naturellement consacrée aux céramiques historiées. Dès les premiers exemples, au tournant de 1500, les peintres sur majolique s’emparent des thèmes iconographiques et littéraires mis en valeur par les artistes et les Humanistes de la seconde moitié du XVe siècle, en s’appuyant sur les sources graphiques contemporaines que constituent notamment les livres illustrés et les gravures. Au total, une soixantaine de céramiques évoquent les thèmes issus de l’histoire (biblique, romaine, ou contemporaine), de la mythologie (épisodes de la guerre de Troie, Énéide et légendes de la fondation de Rome, amours et métamorphoses des dieux), mais aussi des fables et épisodes populaires ou des sujets allégoriques encore difficiles à déchiffrer aujourd’hui. Les centres de production et les divers peintres représentés témoignent de la qualité et de l’originalité de ces œuvres (Cafaggiolo, Faenza, Deruta, Gubbio, le duché d’Urbino avec Nicola da Urbino, le peintre du Marsyas de Milan, le Peintre In Casteldurante...). Autour de Nicola da Urbino, figure artistique majeure du duché d’Urbino dans les années 1520, seront regroupées plusieurs œuvres phares du Museo Correr de Venise, visibles pour la première fois en France  ».
Les meilleurs exemples de la majolique italienne de la Renaissance ont des décors particulièrement riches. Contempler leurs détails c'est aussi le faire d'un travail d'autant plus admirable que la céramique de 'grand feu', dont la majolique fait partie, interdit tout repentir puisque la glaçure stannifère sur laquelle le peintre dessine est poreuse et absorbe les oxydes colorants. Il n'est donc pas question de gommer et rattraper des erreurs. De plus la cuisson au grand feu reste délicate : certaines pièces pouvant sortir du four abîmées. D'autant plus qu'il peut y avoir trois cuissons : la seconde permet de fixer définitivement le décor en vitrifiant la glaçure ; et une troisième peut avoir lieu après l’application sur la pièce du lustre qui « est un mélange de nanoparticules de cuivre et d’argent qui ont la particularité de se fixer à la surface de la céramique lors d’une troisième cuisson, dans un four spécialement conçu à cet effet, à basse température (vers 600° environ) et dans une atmosphère dite réductrice (c’est-à-dire en empêchant l’oxygène d’entrer dans le four, contrairement aux deux cuissons précédentes faites en atmosphère oxydante). Ce décor - dont l’un des objectifs est d’apporter à la céramique l’éclat de l’orfèvrerie - produit des reflets métallescents, de couleur argentée ou dorée, mais aussi rouge ou brune, selon la proportion de sels de cuivre et d’argent et la température de cuisson. » Du reste cette céramique a souvent pour but d'être présentée en exposition ; comme c'est le cas pour l'argenterie d'exception ; celles-ci ayant pour fonction de décorer notamment la salle où l'on mange, et d’exposer aux invités la richesse de l'hôte.
Photographies 1 et 2 (détail) : « Assiette peu profonde, Orphée jouant devant les animaux. Nicola da Urbino, Urbino, vers 1520-1523. Diam. 27,3 cm. Plat du service de l’Histoire d’Orphée. Venise, Museo Correr e Biblioteca di Arte. © Venise, Fondazione Musei Civici di Venezia – Archivio Fotografic. »
Photographies 3 et 4 (détail) : « Vase de pharmacie, Portraits de profil. Probablement les Marches (Pesaro ou duché d’Urbino), vers 1475-1500, hauteur 37,5 cm, diam. 23 cm, Ecouen, Musée national de la Renaissance. © Service de presse Rmn-Grand Palais / Martine Beck-Coppola. »
Photographie 5 : « Bassin d’aiguière à décor de grotesques. Atelier de Lorenzo di Piero Sartori, Montelupo, 1509, diam. 38 cm, Montelupo, Museo della Ceramica. © Alessio Ferrari - Fototeca Museum Montelupo. »
Photographies 6 et 7 (détail) : « Vase à décor de grotesques. Probablement Les Marches (Pesaro, Urbino ou Casteldurante ?), vers 1500-1520, h. 43 cm ; L. 32 cm ; pr. 27 cm, Dijon, Musée des Beaux-Arts. © Musée des beaux-arts de Dijon. Dépôt Ecouen, Musée national de la Renaissance. Photo François Jay. »

© Article LM

J’organise dans mon quartier actuel une exposition intitulée ‘Oberkampf Bon Ton’, le dimanche 27 novembre 2011 de 12h à 20h au 108 rue Oberkampf. Vous y êtes tous conviés. L’entrée est libre !
Deux boutiques vintage de qualité du quartier exposeront des vêtements d’époque des années 1900 à 1950 :  Ancienne Mode et Casablanca.
Je présenterai (LM) des photographies faites à partir de documents d’époque des XVIIIe et XIXe siècles.
Cette exposition s'intéressera à des aspects de la mode française d'avant les années 50 : avant le tout prêt-à-porter ; dans un temps où chaque village possède au moins un tailleur ; ce qui permet le maintien d'une certaine créativité et d'un 'bon goût' personnalisé. On fabrique aussi ses vêtements à la maison. Du reste pour cette exposition, chacun est invité, dans la mesure du possible, à venir habillé soit à l'ancienne, soit d'une manière exubérante, soit à la manière des 'masques' d'autrefois, mais toujours avec style. Enfin comme vous voulez. Le principal c'est de vous y voir !

Photographies du dessus :  1 - Hôtel de Cluny. Façade sur cour. © Caroline Rose. Construction 1471-1500 / Restauration en 1843-1856. 2 - Hôtel de Guénégaud. Façade sur cour. © Caroline Rose. Construction 1651-1653 / restauration 1963-1967.
Photographie du dessous : Hôtel de Soubise. Vue de la cour. © Caroline Rose. Construction 1705-1708 / modifications  1735 / restauré en 1958-1992.

Photographie du dessus :  Hôtel de Rohan. © Caroline Rose. Construction 1705-1708 / restauration 1935-1938.

Photographie du dessous : Hôtel Libéral Bruand. Façade sur cour (1 rue de la Perle, 3e). © Gilles Targat.

Photographies du dessous 1 - Hôtel de Matignon. Façade sur jardin. © Gilles Targat. 2 - Hôtel de Salm. Façade sur cour. © Caroline Rose. Construction 1782-1788 / restauration façade 1873-1875. 3 - Hôtel de Salm. Vue depuis les quais de Seine. © Caroline Rose.

Photographie du dessous : Hôtel de Bourbon-Condé. Façade sur jardin (12 rue Monsieur, 7e). © Gilles Targat.

Photographies dans le texte : 1 - Hôtel de Camondo. Façade sur jardin. © Caroline Rose Construction 1911-1914. 2 -  Hôtel Lambert. Façade sur cour (2 rue Saint-Louis-en-l’Ile, 4e). © Gilles Targat. 3 - Hôtel Hesselin. Vue perspective depuis le jardin (24 quai de Béthune, 4e). © David Bordes.
La Cité de l’architecture & du patrimoine propose du 5 octobre 2011 au 19 février 2012 une exposition intitulée L'hôtel particulier, une ambition parisienne. Pour l'occasion des parties d'un hôtel particulier sont reconstituées sur 450 m2 et une large documentation permet d'appréhender l'évolution de ces bâtiments qui font encore aujourd'hui une grande partie du prestige de Paris. Ce sont aussi des témoignages exceptionnels de l'évolution des beaux-arts à travers les siècles, dans une ville à la pointe du goût et de la modernité. Le début de l'exposition nous plonge dans une décor reconstitué d'hôtel particulier : avec sa cour pavée, différentes pièces de réception meublées, une chambre à coucher, le cabinet de curiosités « meublés au fil des siècles, en fonction du goût des propriétaires imaginaires qui s’y sont succédés » et une galerie de portraits ouverte sur un jardin animé de treillages. Le visiteur accède ensuite à la partie documentaire de l’exposition. Un parcours chronologique nous mène du Moyen Âge à la Belle Époque. Cela commence par quatre grandes maquettes illustrant l’évolution de ce bâtiment depuis celui de Cluny au début du XVIe siècle jusqu’au Palais Rose construit en 1900, en passant par les hôtels Lambert et Thélusson. D’autres maquettes, dessins, plans, gravures, sculptures, tableaux d'époque évoquent ces hôtels parisiens. Le visiteur peut aussi accéder à une documentation consultable sur des bornes multimédia contenant un corpus de 300 fiches d’hôtels illustrées. Ce parcours ce conclut par l'évocation de divers thèmes liés à ce sujet. C'est une très bonne occasion de connaître un peu mieux certains des bâtiments qui jalonnent encore aujourd'hui les rues parisiennes, de les apprécier à leur juste valeur, de les replacer dans leur contexte historique et artistique, et avec eux tous ceux qui ont disparu. La richesse de ce patrimoine dont une grande partie est toujours présente et habitée, notamment par des musées, ou des institutions prestigieuses, mérite cette exposition.
Il faut rappeler que si Paris possède de magnifiques hôtels particuliers, le reste de la France aussi comme on peut le constater en allant sur Wikipedia. Il est question d'un autre très bel hôtel particulier : celui où se trouve aujourd'hui le musée Jacquemart-André, dans l'article Exposition 'Fra Angelico et les Maîtres de la lumière' au musée Jacquemart-André.

Photographie du dessous : Hôtel de Lassay. Salon des saisons (128 rue de l’Université, 7e). © Gilles Targat.

Photographies. À gauche : Hôtel de La Vrillière. Galerie Dorée. © Caroline Rose. Construction 1635-1650 / modifications 1714-1718 / agrandissement-altérations 1854-1872. La  Galerie a été reconstituée en 1870. À droite : Hôtel de Soubise. Salon de la princesse. © Caroline Rose.

Photographies. À gauche : Hôtel de Rohan, décor intérieur. © Caroline Rose. Construction 1705-1708 / restauration 1935-1938. À droite : Hôtel de Lauzun. Décor intérieur. © Caroline Rose. Construction 1657-1658 / restaurations 1948-1949 et 2066-2007.

Photographies : Hôtel de Lauzun. Enfilade de l’appartement du premier étage (17 quai d’Anjou, 4e). Construit entre 1650 et 1658 par l'architecte français Louis Le Vau. © Gilles Targat.

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Photographie 1 : « École romaine du XVIIIe siècle D'après Corrège La Madeleine au désert. Velin marouflé sur toile,  trace de signature en bas à droite Hauteur : 30 Largeur : 40 cm. Commentaire : D'après une composition du Corrège dont une copie par Cristofano Allori est actuellement conservée à Florence au palais Pitti. » Détail. © Artcurial. Vente du lundi 10 octobre à Paris.
Photographie 2 : Détail « Ecole italienne du XVIIIe siècle. Gentilshommes sur un marché. Huile sur toile, rentoilée. Hauteur : 40,50 Largeur : 53 cm. » © Artcurial. Vente du lundi 10 octobre à Paris.
Photographie 3 : « Torse d'athlète (incomplet). Marbre. La silhouette élancée, le corps reposant sur la jambe droite, celle de gauche légèrement avancée. Époque romaine, IIe siècle après J.C. De style archaïsant. Hauteur: 77 cm - Largeur: 32 cm Ce type de sculpture semble s'inspirer des statues originales grecques de la fin du Ve siècle dont on connaît des copies exécutées à l'époque hellénistique et à l'époque romaine. » © Fraysse & Associés. Vente du mercredi du 19 octobre à l'Hôtel drouot à Paris.

Photographie 4 : « Shiva et Parvati. Grès Beige Inde centrale. Époque médiévale, XIIe siècle. Hauteur: 52 cm - Largeur: 38 cm Shiva et Parvati sont représentés assis en délassement royal, tendrement enlacés. Ils portent de riches bijoux qui rappellent leur rang de divinités majeures, le cordon des dieux descend en travers de leur poitrine. A leur pied, le buffle Nandi, véhicule de Shiva est figuré au repos. Il est entouré par les enfants du couple divin, Skanda à droite, Ganesh à gauche et Chamunda aujourd'hui manquante au centre. » © Fraysse & Associés. Vente du mercredi du 19 octobre à l'Hôtel drouot à Paris.

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Photographie de gauche : « Les Folies Bergère ou Le Promenoir ». Huile sur toile signée en bas à gauche de Jean-Gabriel Domergue, de 81 x 65 cm. © Galerie Ary Jan.
Photographie de droite : « Betty et son danseur ». Huile sur toile signée en bas à gauche de Jean-Gabriel Domergue, de 100 x 81 cm. © Galerie Ary Jan.
La vogue d'une beauté féminine aux formes filiformes, véhiculée par les modèles de mode et de haute couture, est caractéristique de certains canons du XXe siècle. Jean-Gabriel Domergue (1889-1962) est peut-être un des premiers peintres au début de ce siècle à représenter ces femmes qui bien qu'ayant abandonné les corsets et autres aplatisseurs de poitrine de la fin du XIXe siècle conservent une silhouette gracile. Cette nouvelle 'parisienne' est associée à une mondanité elle aussi neuve qui succède à celle croquée par le caricaturiste Sem (Georges Goursat : 1863-1934). Si la peinture de Jean-Gabriel Domergue s'approche de la caricature, c'est à la manière d'un 'Toulouse-Lautrec bourgeois' dont il fréquente l'atelier. Ceci dit Henri de Toulouse-Lautrec est issu d'une très vieille famille aristocratique française descendant en droite ligne des comtes de Toulouse. Il semblerait même qu'il soit un véritable 'gant jaune' comme le laisse à penser un splendide portrait par Giovanni Boldini (1842-1931) visible ici. Une autre digression sur l'oeuvre de Giovanni Boldini dont certains portraits sont des chefs-d'œuvre de dandysme, comme ceux : du comte Robert de Montesquiou-Fézensac, de Giuseppe Verdi,  de Mme Charles Max, d'une jeune femme coiffée d'un très grand chapeau orné de plumes, ou celui-ci.
C'est un mélange détonnant qui est celui de la vie parisienne de la seconde moitié du XIXe siècle et de la première moitié du XXe, où mille tons différents viennent colorer la vie d'une capitale très cosmopolite ; et qui s'est enorgueillie de cela jusqu'à aujourd'hui.

© Article LM

Bonjour,
L'article sur l'exhibition Fra Angelico est le trois-centième ! Je prépare une petite exposition 'vintage' pour le mois de novembre prochain dans mon quartier à Paris (Oberkampf). J'espère vous y voir.
A bientôt.

Photographies 1 et 2 : 'Le Couronnement de la Vierge' de Fra Angelico. Vers 1434-1435. Tempera sur bois de 114 × 113 cm. Galerie des Offices, Florence. © 2010. Photo Scala, Florence - courtesy of the Ministero Beni e Att. Culturali.
Photographie 3 : Détail de 'Vierge à l'Enfant' de Fra Angelico. Vers 1450. Tempera sur bois de 99,5 x 66,8 cm. Galeria Sabauda, Turin. © 2010. Photo Scala, Florence - courtesy of the Ministero Beni e Att. Culturali. 

Pour voir l'article précédent sur le même sujet, cliquer ici. 

Le musée Jacquemart-André est l'hôtel particulier parisien d'un célèbre couple de collectionneurs, rempli du sol au plafond d'objets d'art de grande qualité. Entrer dans ce bâtiment c'est se plonger dans un bain d'esthétisme et de raffinement tout particulièrement imprégné du XVIIIe siècle français et de la Renaissance italienne. L'exposition Fra Angelico et les Maîtres de la lumière y a donc toute sa place, Fra Angelico (vers 1400-1455) étant un des artistes phares de la première Renaissance italienne. Son oeuvre est d'une grande richesse, notamment dans son utilisation de l'or et de couleurs précieuses. Elle marque aussi un tournant qu'opère l'Italie d'alors, se démarquant de l'influence française gothique et courtoise pour élaborer une Renaissance à partir d'une redécouverte de l'Antique et un foisonnement artistique et artisanal soutenu par de très importants mécènes esthètes, issus de la vie religieuse ou publique. A cette époque l'Italie est à la croisée des chemins entre l'Orient et l'Occident. C'est une place importante commerciale, en particulier à travers des villes comme Venise ou Florence. Elle devient la source d'une modernité nouvelle qui prend la place d'une influence française avec un gothique qui s'endort sur ses lauriers et une richesse devenue pompeuse quand les artistes et artisans italiens proposent une plus grande finesse et de nouveaux savoir-faire. Ceux ayant assisté aux deux expositions parisiennes dans les derniers mois de l'année 2010, l'une sur la Renaissance italienne à travers la famille des Médicis (voir les articles  Exposition : Trésor des Médicis 1 et 2)  et l'autre sur la France artistique en 1500 (Exposition : France 1500, entre Moyen-âge et Renaissance) peuvent témoigner du manque de renouvellement des beaux-arts dans la France du XVe siècle quand l'Italie est toute entière dans la nouveauté et la recherche (comme sur la perspective). Du reste la France accueille rapidement ces nouveaux talents de la péninsule, qu'ils soient artistes ou artisans.  
Les artistes influençant ou influencés directement par Fra Angelico sont aussi très intéressants. L'exposition présente ainsi en accompagnement des vingt-cinq panneaux peints de l'artiste autant d'autres de peintres importants l'ayant côtoyé. On y découvre l'apprentissage progressif de la maîtrise de la perspective, déjà présente durant l'Antiquité (les peintures murales d'architectures présentées dans l'exposition sur Pompéi au musée Maillol à Paris en sont un exemple - au sujet de cette exhibition voir l'article ici), mais que les artistes de la Renaissance vont définir et utiliser jusqu'à un une maîtrise à l'origine de notre modernité et de son regard sur le monde : une science de l'appréhension du sensible par l'image à l'origine d'une vision 'réelle' du monde qui aboutit à celle où nous sommes aujourd'hui qui est pourtant loin d'être exhaustive.
Ces oeuvres expriment aussi un mysticisme proche de l'ordre Camaldule  et des pratiques monastiques et d'ermitages dont la simplicité de certains sujets et le traitement encore assez 'naïf' contrastent avec l'emploi de couleurs précieuses et de l'or et de l'argent dont parfois  les feuilles sont incrustées et ciselées à même la peinture, donnant notamment des rendus de drapés assez spectaculaires comme dans la Vierge à l'Enfant de Fra Angelico de vers 1450 ; rendu que la photographie 3 ne peut restituer.
Cette exposition est aussi une occasion de visiter le musée Jacquemart-André.

Visite virtuelle Musée Jacquemart-André

Photographies : Musée Jacquemart-André.

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Le prestigieux Carré Rive Gauche des antiquaires du septième arrondissement de Paris lance un nouveau projet intitulé Les Itinéraires dont le lancement officiel a lieu le 22 septembre. Sept façons de visiter le Carré Rive Gauche sont proposées à travers sept itinéraires avec les thèmes : Archéologie et Civilisations ; Arts de la Céramique et du Verre ; Arts du Textile ; Tableaux, Dessins, Sculptures anciens ; Tableaux, Dessins, Sculptures modernes & contemporains ; Arts du XXe & Design ; Mobilier, objets d'art, curiosité ; Décoration & Art de Vivre. Des visites guidées sont assurées par l'IESA (Institut d'études supérieures des arts) de 17h à 21h aux points de rendez-vous suivants : angle rue de Beaune / rue de Lille et angle rue de Beaune / rue de l'Université.

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Après la splendide exposition sur les Médicis collectionneurs (voir les articles Trésor des Médicis 1 et 2), le musée Maillol à Paris présente, dès le 21 septembre prochain et jusqu'au 12 février 2012, une exposition intitulée Pompéi, un art de vivre. Cette ville antique et ses voisines, recouvertes des cendres du Vésuve au premier siècle de notre ère, sont redécouvertes à partir du XVIIIe siècle, époque où commencent des fouilles révélant un nombre considérable d'oeuves de cette région imprégnée d'hellénisme, permettant d'appréhender le quotidien de la vie d'alors d'une manière assez merveilleuse ; et influençant considérablement les arts décoratifs en particulier à la fin du XVIIIe et au XIXe.
L'exposition se propose de reconstituer une demeure privée de Pompéi afin de déambuler en son intérieur, depuis les pièces pour recevoir jusqu'aux plus secrètes. Objets d'art ou usuels et fresques nous invitent dans ses diverses parties : l’atrium, le triclinium et la culina, le peristyle autour du jardin, le balneum, le venereum. Deux cents œuvres venant de Pompéi et d’autres sites vésuviens sont ainsi présentées. « Si les monuments publics de l’Empire romain, théâtres, amphithéâtres, thermes, temples, sont nombreux et souvent en bon état de conservation, les résidences privées, en dehors de celles retrouvées ensevelies par le Vésuve en l’an 79 à Pompéi, Herculanum, Oplontis et Stabies, sont très rares et jamais retrouvées ailleurs dans leur intégrité. Ces maisons et villas continuent à nous émerveiller par leur état de conservation. Leurs infrastructures, l’eau courante, la distribution de la chaleur, le tout-à-l’égout, l’intégration des espaces verts jusqu’aux formes des objets quotidiens, sont d’une modernité spectaculaire. »
Photographie 1 : Détail « Statue honoraire de femme drapée - marbre - H. 148 cm - Inv. 6248 - Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napolie - Pompei - Museo Archeologico Nazionale di Napoli - © Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Archivio dell'Arte - Luciano Pedicini/fotografo. Statue trouvée dans un monument public à Herculanum. Jeune femme de la bonne société, habillée à la grecque et coiffée à la mode des Jules-Claudes (premières décennies du Ier siècle ap. J.C.). Les statues honoraires étaient offertes par l’administration de la ville aux nobles bienfaiteurs pour leur générosité et, de ce fait, étaient très prisées. »
Photographie 2 : « Cratère à volutes, décoration de jardin - marbre - H. 86 cm - Inv. 6779 - Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e - Pompei - Museo Archeologico Nazionale di Napoli - © Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Archivio dell'Arte - Luciano Pedicini/fotografo. Ce cratère a les parois décorées de personnages dionysiaques en relief. Ce type de vase est souvent percé dans son fond pour servir de bassin de fontaine. Sculpté en marbre à volutes, il rappelait l'ancien vase grec de banquet dans lequel on mélangeait l'eau et le vin. Très prisé dans les jardins, il était produit en série par les ateliers de marbre néo-attiques. Il est souvent représenté dans les décorations sur le thème du jardin. »
Photographie 3 : Bassin avec support en forme de vase tripode - marbre - H. 134 ; diam. 102 cm - Inv. 6866 - Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei - Museo Archeologico Nazionale di Napoli - © Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Archivio dell'Arte - Luciano Pedicini/fotografo. Bassin en marbre avec trois pieds en forme de sphinx, inspiré des louteria grecques en bronze. La base, qui rappelle celle des tripodes, élégamment décorée d’éléments végétaux, répond au goût classique typique des ateliers néo-attiques.  »
Photographie 4 : « Fresque avec Dionysos trônant - H. 81 ; L. 67 cm - Inv. 9546 - Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei - Museo Archeologico Nazionale di Napoli - © Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Archivio dell'Arte - Luciano Pedicini/fotografo . Dionysos, en latin Bacchus, dieu du Vésuve selon Martial. Siégeant sur son trône et couronné de lierre, le cantharus dans sa main droite et le thyrsus dans sa main gauche. À ses pieds, la panthère, l’animal sacré et le tambourin joué par les Ménades. »
Photographie 5 : « Villa à la mer, médaillon, Fragment de fresque, H. 25 ; L. 25 cm - Inv. 9511 - Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei - Museo Archeologico Nazionale di Napoli - © Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Archivio dell'Arte - Luciano Pedicini/fotografo. Médaillon à la villa provenant de Stabie. Le rêve des habitants de l’empire était de posséder une villa à la mer (maritima). La représentation de villas extraordinaires, à deux étages et façade en hémicycle, dans un paysage marin sur fond de montagnes peuplées de statues, était récurrente dans le IVe style de Pompéi.  »

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L'origine de la laque est ancienne : plus de 3000 ans. Elle viendrait de Chine. Les compagnies des Indes en importent de ce pays et du Japon ; mais aussi sans doute d'autres contrées d'Asie du sud Est. Elle est très prisée en Occident. Comme pour la porcelaine dont le secret de fabrication n'est découvert qu'au début du XVIIIe siècle, on cherche à créer du laque (on utilise le masculin en français pour désigner le vernis de laque) dès le XVIIe siècle. [Au sujet de la porcelaine chinoise et de ses imitations occidentales on peut lire les articles du blog suivants : La Porcelaine française du XVIIIe siècle, La Compagnie des Indes, Porcelaine de Chantilly, Les grands collectionneurs de porcelaine asiatique aux XVIIème et XVIIIème siècles, quelques exemples allemands et français, Chinoiserie et Chinoiseries sur faïences françaises du XVIIIe siècle]. Le fameux vernis Martin est mis au point à Paris par les frères Martin en 1730. Mais celui-ci a le défaut d'être fragile à l'eau ; ce qui n'empêche pas une importante production. Mais les panneaux en laque venus d'Asie restent très prisés. Parfois le vernis Martin est employé sur certains meubles où se trouvent des panneaux de vernis chinois ou japonais afin de les prolonger, en particulier dans les parties très galbées du mobilier rocaille et servir ainsi de raccord donnant à l'ensemble une harmonieuse homogénéité.
Photographie : « Bureau plat en bois noirci de forme mouvementée. » Celui-ci est présenté dans la vente de la maison Europ Auction du 21 septembre à Drouot (lire à ce sujet l'article intitulé Le bonheur du jour). « Il ouvre par trois tiroirs en ceinture, à décor de panneaux en laque de Chine polychromes sur fond noir du XVIII° siècle représentant des fleurs, des oiseaux et des papillons dans un encadrement de vernis européen. Il repose sur des pieds galbés laqués rouge à l'intérieur, terminés par des sabots de bronze doré. Riche ornementation de bronzes ciselés et dorés rocailles tels qu'entrées de serrure, poignées de préhension, cartouches et chutes d'angles ajourées se prolongeant jusqu'aux sabots. Dessus de cuir vert cerné d'une lingotière et écoinçons en bronze doré. Estampillé deux fois I. DUBOIS, Jacques Dubois (1694-1763) reçu maître le 5 septembre 1742. Époque Louis XV. H 160, L 78, P 81 cm Jacques Dubois figure parmi les ébénistes parisiens les plus renommés sous le règne de Louis XV. Il a laissé quantité de chefs d'oeuvre conservés aujourd'hui par les plus grands musées notamment le Musée des Arts décoratifs, le Musée du Louvre à Paris, la Wallace Collection, Waddesdon Manor à Londres, le Rijksmuseum d'Amsterdam ou encore le Cleveland Museum of Art. Né le 7 avril 1694, Jacques Dubois est le demi-frère de Noël Gérard, qui semble avoir orienté la carrière du jeune homme. Avant d'être reçu maître ébéniste en septembre 1742, Jacques Dubois oeuvrait en tant qu'ouvrier libre dans l'enclos privilégie du faubourg Saint-Antoine d'où l'existence de meubles non signés qui peuvent lui être attribués par comparaison avec ceux qui portent son estampille. Nous pouvons penser qu'à cette date, Jacques Dubois bénéficiait sans doute des commandes et des relations de Noël Gérard. L'inventaire après décès de Jacques Dubois reste très discret sur sa clientèle. Dubois fournissait une clientèle aristocratique de haut rang comme Mme de Graffigny, auteur des "Lettres d'une Péruvienne" ou encore le duc d'Orléans. Jacques Dubois réalisa un nombre important de meubles, toujours de grande qualité, faisant preuve de rigueur dans la sélection de ses bois de placage et dans le choix des bronziers avec lesquels il collaborait. Jacques Dubois se plaisait à revêtir ses créations d'un décor de laques ou de vernis. Pour ses pièces les plus riches, il utilisait directement des panneaux de laques de Chine ou du Japon. Ces panneaux de laques extrême-orientaux augmentaient considérablement le coût des meubles, aussi ne les rencontrent-on le plus souvent que sur ceux destinés à la clientèle des marchands-merciers. Ces derniers se chargeaient d'ailleurs souvent de fournir à l'ébéniste, avec qui ils sous-traitaient, les précieux panneaux déposés de quelque cabinet ou paravent. La répétition de certains modèles assez fréquente dans l'oeuvre de l'ébéniste pourrait confirmer la collaboration avec les marchands-merciers. Ainsi, le bureau que nous présentons peut être rapproché d'une petite série de bureaux plats en laque de Chine: - Un bureau plat estampillé Dubois conservé au Cleveland Museum of Art. - Un bureau plat passé en vente chez Christie's à New York, le 30 avril 1999, lot 45, lors de la dispersion de la collection Alexander, adjugé - Un bureau plat et son cartonnier, vendu à Drouot par l'étude Couturier-Nicolay, le 28 mars 1990, lot 122, pour 13 100 000 francs - Un bureau plat avec son cartonnier, passé en vente au Palais Galliera par Ader, Picard, Tajan le 15 mars 1973, lot 119, provenant de la collection Octave Homberg. »
Au sujet de cette vente d'Europ Auction voir aussi l'article Le bonheur du jour.

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Photographies : Cinq des six tapisseries de la tenture Histoire de Psyché tissée au faubourg Saint-Germain à Paris et livrée au Garde meuble de la couronne en 1667. Ces cinq pièces sont conservées aujourd'hui au Musée national du château de Pau, alors que la sixième l'est au Mobilier national à Paris. Elles comprennent : Psyché menée sur la montagne ; La toilette de Psyché ; Le repas de Psyché ; La vieille racontant l'histoire de Psyché à la jeune captive ; Psyché au temple de Cérès. Laine, soie, or et argent. © Pau, Musée national du château. Dans la photographie de droite présentant un détail d'une tapisserie, on remarque que le sol est jonché de fleurs. Voir sur ce sujet l'article : Les vases à parfums du XVIII ème siècle.
Depuis l'Antiquité le 'souvenir' de Psyché se transmet … Il s'agit d'une magnifique histoire d'amour, un conte de fées pour les adolescents et les adultes. Mais le terme 'psyché' raisonne surtout dans notre subconscient nourrit de la psychologie du XXe siècle, parce qu'il signifie « âme » en grec et représente ce qui constitue la personnalité d'un individu. C'est aussi le nom que l'on donne à un miroir qui dévoile entièrement : le premier meuble/miroir courant représentant l'être humain en pied.
Le résumé de la légende de Psyché est lisible sur Wikipédia. Le Musée national du château de Pau, qui possède une magnifique collection de tapisseries (voir ici), propose, du 16 septembre au 13 novembre 2011, une exposition sur ce sujet intitulée D'encre, d'émail et d'or : L'Histoire de Psyché avec des objets d'exception relatant ce conte, et en particulier une tenture en six pièces, tissée au XVIIe siècle par des ateliers du faubourg Saint-Germain à Paris, et présentée en entier dans cette exposition. Cette tenture est composée entre autres de fils d'or et est accompagnée pour cette exhibition d'un ensemble d'ouvrages illustrés et d'émaux du XVIe siècle : époque de la Renaissance française qui apprécie tout particulièrement cette source Antique ayant pour thème l'Amour.
Photographie : L'Amour fuit Psyché. Plaque de coffret en émail peint sur cuivre après 1565 par Pierre Courteys. H. 10 ; L.23 cm. Niort, musée Bernard Agesci, Inv. 914.1.107. © Pau, Musée national du château.
Photographies : Page de titre et estampe de l'ouvrage « Lamour de Cupido et de Psiché mère de Volupté, prise des Cinq & sixiesme livres de la Metamorphose de Lucius Apuleius philosophe nouvellement historiée & exposée en vers Francois, gravures de Léonard Gaultier, s. l. n. d. [Paris 1586]. Pau, musée national du château, Inv. BP 5379. » © Pau, Musée national du château. La page de titre est particulièrement jolie avec ses lettres gravées et les deux représentations de Psyché : la première où Amour la dénude, et l'autre où toute habillée elle est pleine de pudeur.

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Photographie 1 : Montage des deux photographies suivantes.
Photographie 2 : « Bonheur du jour en acajou. Il ouvre dans la partie supérieure par une porte vitrée, un tiroir encadré de deux petites tablettes sur fond de glace et marbre. La partie basse est agrémentée d'une tablette écritoire surmontant cinq tiroirs. Il repose sur des pieds fuselés. Belle ornementation de bronzes à filets de perles. Dessus marbre blanc cerclé d'une galerie. Attribué à Fidèlis Schey (mort en 1788) reçu maître le 5 février 1777. Époque Louis XVI. H 121, L 80, P 45 cm. » ©  Europe Auction. Ce meuble est proposé à la vente, le 21 septembre, par Europ Auction, à Richelieu Drouot, parmi 300 lots dont du mobilier français du XVIIIe siècle qui est la spécialité maîtresse de cette jeune étude créée à la fin de l'année 2008. Voir le catalogue ici.
Le bonheur du jour est un meuble très en vogue dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Destiné en particulier aux femmes, il fait office de table d'écriture ; mais aussi de lieu de rangement de menus objets utiles pendant la journée : liés à l'écriture (lettres, papiers, plume, encre, étuis à messages …), à la lecture (petits livres, almanachs ...), à la beauté (parfums, bijoux, boîtes, nécessaires de poche, de couture …) etc. Il se déplace assez facilement. Selon l'endroit où on le met, il sert de différentes manières : petit secrétaire, meuble de toilette ... Il se compose d'une petite table à hauts pieds sur le plateau duquel repose, dans sa partie en retrait, une structure verticale (le gradin). On le nomme aussi 'table à gradin'. Des tiroirs ou/et des volets se ferment le plus souvent à clé afin d'y conserver ces accessoires précieux, utiles ou secrets, ayant leur fonction dans le bon déroulement d'une journée.
Le bonheur du jour a de nombreux ancêtres, comme ce bureau en marqueterie du XVIIe siècle.
Exemples de bonheurs du jour : 1 - 2 - 3 - 4 - 5 - 6 - 7 - 8 - 9 - 10.
Photographies 3 et 4 (détail) : Gravure datée de l'an 9 (1800) provenant du Journal des Dames et des Mode (planche 322). La jeune femme porte un « Chapeau de Crêpe » et une « Robe de Mousseline ». Elle semble extraire de son 'bonheur du jour' une lettre. Il est de style directoire comme celui-ci. ©  Photographies LM.

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Photographie : 'L'enfant au toton'. Huile sur toile (H. 67 cm, l. 76 cm) de Jean-Baptiste Siméon Chardin présentée au salon de 1738 et conservée au Musée du Louvre à Paris. © Service presse Rmn-Grand Palais / Stéphane Maréchalle.
L'exposition Des jouets et des hommes, qui se déroule du 14 septembre 2011 au 23 janvier 2012 aux Galeries nationales du Grand Palais à Paris, intéresse aussi bien les enfants que les adultes. Les premiers y trouvent une véritable exposition faite pour eux, avec des centaines de jouets, des films de toutes les époques sur petits écrans (et sur un grand), des petits théâtres optiques mettant en scène des jouets, des endroits où ils peuvent se reposer et regarder tranquillement, et (il faut prévenir les accompagnateurs) le parcours se conclut par une boutique avec jouets, livres, bonbons et aire de jeux. Les adultes trouveront des jouets de leur époque, ainsi que de leurs parents ou grands-parents et de leurs enfants ; un parcours avec des thématiques et une narration assez 'intellectualisée' (surtout à la fin) et des objets d'art populaire ou d'art tout court de qualité, depuis l'Antiquité jusqu'à aujourd'hui.
La citation de Charles Baudelaire qui introduit le communiqué de presse est le véritable intérêt et sans doute but de cette exposition : « Le joujou est la première initiation à l'art ». Non seulement elle comporte des peintures de maîtres, mais le fait de présenter ensemble des jouets de différentes époques sur un même thème, apporte notamment une première conscience de la notion d'histoire de l'art, de l'évolution des beaux-arts, de l'esthétisme etc. Des jouets comme les maisons de poupée où les meubles, ustensiles, habits, intérieurs etc sont des miniatures d'objets d'époque et fabriqués avec les matériaux du temps ; les différentes poupées depuis l'Antiquité jusqu'à aujourd'hui (certaines, ayant appartenu à des enfants royaux, possèdent des vêtements griffés) ; les dinettes depuis le Moyen âge jusqu'à aujourd'hui en passant par celles en faïence du XIXe siècle ; les chevaux à bascule de tous les temps … tous les thèmes apportent cet appréhension du temps, du goût, et de l'autre, qui hier comme aujourd'hui a quelque chose de semblable. A noter quelques clins d'oeil comme une peinture (huile sur toile) de 1912 représentant le fameux anthropologue et ethnologue Claude Lévi-Strauss (1908-2009), enfant, sur son cheval mécanique.
Le samedi 1er octobre la « Nuit blanche » propose l'entrée gratuite dans l'exposition de 19h30 à 0h15, des jeux à volonté (dernier accès à 22h30) et des projections de films à l'auditorium pour les plus grands.
À l'automne 2011, tout le Grand Palais se transforme en un lieu de fête et de divertissement avec du 10 novembre 2011 au 9 janvier 2012 dans la Galerie Sud-Est entièrement rénovée une exposition intitulée Game Story. Une histoire du jeu vidéo ; et l'évènement ludique et familial Jours de fêtes, se déroulant du 16 décembre au 2 janvier avec : « grande roue, manèges, barbes à papa, pommes d'amour et bien d'autres surprises ».
Photographie : 'Présentation au temple'. Volet d'un triptyque, peinture sur bois, de 1450-1475 appartenant au Musée nationale du Moyen-Âge-Thermes de Cluny à Paris. H. 107 cm, L. 98,4 cm, l. 2,5 cm. ©  Service presse Rmn / Jean-Gilles Berizzi.

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Du 13 au 17 septembre, a lieu le quatrième parcours de la céramique et des arts du feu à Paris au Louvre des antiquaires et au Carré rive gauche. Une occasion de contempler des céramiques d'exception depuis des exemples antiques jusqu'à des oeuvres contemporaines en passant par des majoliques, porcelaines de Meissen, Vincennes et Sèvres, faïences des XVIIe et XVIIIe siècles, verres, émaux ... Cette année des visites sont dirigées par des conservateurs chez les exposants, les 14, 15 et 16 septembre 2011 à 15h, après inscription au 01 45 48 46 53.
Photographie : « Assiette "Le Renard et le Buste" du service à fond pourpre de Jean Jacques Régis Cambacérès. Porcelaine dure de Sèvres, Circa 1807. » Cette céramique provient de la galerie Vandermeersch au 21 quai Voltaire.

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L'exposition Intérieurs 2011 : L'art de vivre avec l'art réunit du 12 au 22 septembre (de 11h à 19h), à Artcurial sur les Champs-Élysées, douze décorateurs représentant la scène française reconnue dans ce domaine.  Il s'agit de : India Mahdavi, Olivia Putman, Roxane Rodriguez, Alain Demachy, François-Joseph Graf, Chahan Minassian, Pierre Yovanovitch, Jean-Louis Deniot, Laurent Buttazzoni & Associés, Joseph Dirand, Tristan Auer, Thierry Lemaire. Tous sont venus décorer une pièce de cet hôtel particulier construit en 1844 dans un style néo classique et réaménagé par la suite. Pour moi, l'intérêt de ce genre d'exposition est d'être inscrite dans l'actualité, qu'elle informe sur le ton d'aujourd'hui pour l'art, avec des créateurs abordables donc puisque contemporains et en pleine évolution.
Pour trouver des idées de décoration on peut aussi se rendre à Drouot Richelieu dont la rentrée commence le 21 septembre avec notamment une vente d'Europ Auction avec des meubles du XVIIIe siècle. Là ce sont les vendeurs, professionnels de l'art, collectionneurs et amateurs qui donnent de la vie aux objets. Je reparlerai de cette vente. En attendant, le catalogue est visible ici.
Et puis il y a les musées.

L'art forain invite à la féérie, à la joie et aux plaisirs. Pour cela il mérite une place de choix dans ce qu'on appelle « l'art populaire », dont la principale ambition affichée réside le plus souvent dans son utilité (ici de séduire en faisant rêver) mais qui peut receler beaucoup d'autres  richesses.
Le mercredi 28 et le jeudi 29 septembre 2011, la maison Cornette de Saint-Cyr propose une vente aux enchères en trois vacations de « Chefs-d'Oeuvre de l'Art Forain » à Drouot Montaigne au 15 avenue Montaigne à Paris. Une partie de cette collection de Fabienne et François Marchal est présentée du mercredi 7 au dimanche 18 septembre de 12h à 19h à l'Hôtel des Ventes Drouot Montaigne et l'ensemble du vendredi 23 au lundi 26 septembre de 10h à 19h à Paris Expo Porte de Versailles (1 place de la porte de Versailles - 75015). Cliquez sur les liens suivant pour avoir accès à chacune des trois vacations : première, seconde, troisième.

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Photographies 1 (détail) et 2 : Madone aux cèdres de Fra Angelico, vers 1419-1423, tempera sur bois, 102 x 58 cm, Musée national de San Matteo, Pise. © 2011. Photo Scala, Florence - courtesy of the Ministero Beni e Att. Culturali. Au Moyen-âge en particulier mais aussi par la suite, les images de la Vierge avec Jésus, son enfant, sont toujours une métaphore de l'oeuvre divine. Cette femme est l'archétype de la création dans sa majesté et sa splendeur … une cosmogonie que les artistes qui la représentent trouvent autour d'eux dans les figures féminines les plus belles qu'ils peuvent imaginer ou contempler. Celle de cette peinture est d'une beauté assez surprenante. Son teint est bleu comme l'est celui des deux autres personnages. Elle est maquillée avec finesse : ses yeux sont dessinés, sa bouche est d'un délicat saumon et ses joues sont rehaussées de rose. Ses cheveux dorés et ondulés semblent être coiffés 'à la romaine' et tiennent un très léger voile. Elle porte une auréole aux volutes végétales. Sa tunique de la même couleur que ses joues est brodée de fils d'or avec notamment des motifs ressemblant à des flocons de neige. Au dessus, un drapé bleu-nuit est lui aussi brodé d'or et doublé à l'intérieur d'une matière tout aussi lumineuse. Jésus est totalement nu, tenant dans sa main gauche quatre petites roses très gracieuses formant une croix. La vierge est assise sur un coussin d'un vert profond, brodé d'or comme le tapis de sol au fond rouge. Presque tout le reste du tableau est doré. Ces couleurs rappellent celles de l'aurore, avec le bleu nuit du drapé qui s'efface à la lumière or du soleil qui découvre un ciel bleu et les couleurs rosées du matin.
Aborder l'oeuvre de Fra Angelico (1387-1455) est une véritable expérience mystique. A première vue ses tableaux sont naïfs, d'un primitif italien qui ne semble pas très extraordinaire. En s'approchant on note les détails, les histoires racontées. On y découvre tout ce que l'on souhaite : réalité, chimères, pauvreté, richesse, religion, vie civile, dessin, couleurs … C'est lorsque l'on revient à l'ensemble de la peinture que l'on est happé, comme on peut l'être face à certaines icônes. On comprend que ces petites histoires, ces détails, sont des prismes d'une lumière unique d'une infinie richesse. Le titre Fra Angelico et les Maîtres de la lumière de l'exposition qui se déroule à partir du 23 septembre 2011 jusqu'au 16 janvier 2012 à Paris, au Musée Jacquemart-André, est donc pertinent. Ce musée est le premier en France à rendre hommage à ce peintre, figure majeure du Quattrocento. L’exposition présente près de 25 œuvres importantes de celui-ci et autant de panneaux réalisés par les peintres prestigieux qui l’ont côtoyé : Lorenzo Monaco, Masolino, Paolo Uccello, Filippo Lippi ou Zanobi Strozzi.
Photographies 3, 4 et 5 : Le Couronnement de la Vierge de Fra Angelico, 1434-1435. Inv. 1890, n. 1612, tempera sur bois, 114 × 113 cm, Galerie des Offices, Florence. © 2010. Photo Scala, Florence - courtesy of the Ministero Beni e Att. Culturali.

Cette exposition est aussi une occasion pour visiter le musée Jacquemart-André. 

Photographies 1 et 2 : « « Nécessaire. Paris, 1755-1756. Agate, rubis et or. Inv. V.2804. » ©  musée du Cinquantenaire de Bruxelles. Ce nécessaire de poche (ou étui-nécessaire) semble contenir entre autres deux flacons avec un bouchon en forme d'oiseaux, une tablette, un crayon, un passe-lacet, une cuillère, un cure-oreille, un étui à messages etc. Voir l'article Les Objets de parfums que l'on porte sur soi au XVIII e siècle.
Depuis le mois de juin de cette année, deux nouvelles salles sont à découvrir au musée du Cinquantenaire à Bruxelles. L'une est consacrée à la verrerie ancienne  et l'autre aux preciosa  selon le terme employé par le musée. En France on utilise l'expression 'objets de vitrine' pour désigner ces carnets de bal, boîtes à priser, drageoirs, boîtes à mouches, flacons à sels, vinaigrettes, nécessaires divers, éventails, portraits miniatures, bijoux précieux ou sentimentaux, petites horloges et montres, lunettes et autres instruments d’optique ... de cette nouvelle collection. Celle consacrée à la « verrerie » constitue d'après le musée : « un des ensembles les plus importants dans le monde. Elle est non seulement vaste, mais elle est également une collection de référence, beaucoup de pièces ayant intégré le musée avant l’émergence des styles néo. Cela est notamment vrai pour les verres à la façon de Venise, réalisés aux XVIe et XVIIe siècles à Anvers, Liège et Bruxelles en utilisant des techniques et des modèles vénitiens.  » « Outre les verres vénitiens ou à la façon de Venise, d’autres techniques sont largement présentées : verre de forêt, verres gravés à la pointe de diamant, à la roue ou au pointillé, verre taillé, etc. Le tout raconte une histoire européenne, avec des centres de production et de décoration situés à Venise, dans les Pays-Bas méridionaux, dans les régions allemandes, en Bohème, en Angleterre, aux Pays-Bas et en France. »
Photographie ci-dessus avec détail : « Orphée et Eurydice dans le Jardin des Muses. Cristal de Bohême gravé à la roue. Silésie, 1er quart du XVIIIe siècle. Inv. V 494. » ©  musée du Cinquantenaire de Bruxelles.
Photographie ci-dessus avec détail : « Les trois Grâces dansant. Cristal anglais: Newcastle, gravé au pointillé en Hollande: David WOLFF (Bois-le-Duc 1732-La Haye 1798), dernier quart du XVIIIe siècle. Inv. VE 144. » ©  musée du Cinquantenaire de Bruxelles.
Photographie ci-dessous : « Calice à serpents. Verre à la façon de Venise. Liège ou Bruxelles, XVIIe siècle. Inv. 255. » ©  musée du Cinquantenaire de Bruxelles.

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