LA MESURE DE L’EXCELLENCE

Pour la première fois le Mobilier national présente une exposition relative à ses ateliers de restauration, qui ouvre dans le cadre des Journées Européennes des Métiers d’Art. Intitulée L’esprit et la main. Héritage et savoir-faire des ateliers du Mobilier national, cette exposition, qui se déroule du 27 mars 2015 au 13 décembre 2015 à la Galerie des Gobelins à Paris, se propose de nous faire découvrir les coulisses d’une institution existant depuis plusieurs siècles, anciennement connue sous le nom de Garde-meuble royal, impérial et républicain.

Aujourd'hui le « Mobilier national, pourvoit à l'ameublement et pour partie, au décor des palais de la République comme par exemple, le palais de l'Élysée, l'hôtel de Matignon ou encore le Sénat. Dans le cadre d'expositions temporaires, françaises et internationales, ou de dépôts d’œuvres au sein des musées et châteaux ouverts à la visite, il donne, aussi, à voir ses collections riches de plus de 100 000 objets. Pour l'entretien de l'ensemble de ses collections, il dispose de sept ateliers de restauration qui sont à la fois garants de pratiques ancestrales et creusets d'innovations. »

Ils sont reconstitués pour l'occasion avec les ateliers : d'ébénisterie, de menuiserie en sièges, de lustrerie-bronze, de tapisserie d’ameublement, de tapisserie décor, de tapis et de tapisserie. Sur le site dont le lien est ci-dessus, se trouve un autre lien avec les dates des présences par ateliers, ce qui permet d'entendre ces professionnels parler de leur métier, ce qu'ils font avec beaucoup de gentillesse et passion, au milieu de leurs outils qu'ils ont amenés pour l'occasion ainsi que des objets d'art qu'ils restaurent. Ils attendaient depuis des années qu'une telle manifestation soit organisée. L'entrée est gratuite les 27, 28 et 29 mars.

Photographie : Atelier de restauration d’ébénisterie. © Vincent Leroux.

Les photographies ci-dessous ont été prises sur le parcours de l'exposition.

« L'ATELIER DE TAPISSERIE DÉCOR ET DE RESTAURATION CONTEMPORAINE est composé de deux pôles. Le premier assure la confection, la restitution et la restauration de décors textiles anciens et contemporains. Le second s’est orienté vers la confection, la création et l’entretien des sièges traités de manière contemporaine type mousse et nouvelles technologies. Ils assurent ensemble l’installation des décors de fenêtres, draperies ainsi que les travaux de ville tels que la pose de moquettes tissées et celle de tentures murales. Le service développe des techniques alliant tradition et modernité en coopération avec l’Atelier de Recherche et de Création et l’atelier de tapisserie d'ameublement dont les savoir-faire sont étroitement complémentaires. »

« L’ATELIER DE RESTAURATION DE LUSTRERIE - BRONZE travaille dans les domaines de la monture en bronze, de la ciselure et du tournage. Il traite plus particulièrement les objets en bronze doré tels que lustres, appliques, pendules, candélabres, chenets et bronzes de meubles datant du XVII e siècle à nos jours. La dégradation ou l’absence d’une pièce exige parfois sa recréation lorsqu’il existe un modèle identique. L’emploi de la forge est réservé à la fabrication d’outils, de sommiers de cheminée ou encore de serrures. La richesse des collections d’objets en bronze amène l’atelier à coopérer avec plusieurs spécialistes extérieurs comme les fondeurs de bronze, les serruriers, les bombeurs de verre pour les lanternes et les lunettes de pendules, les cristalliers pour la lustrerie, les horlogers ainsi que les doreurs. »

« L’ATELIER DE RESTAURATION EN ÉBÉNISTERIE opère sur des mobiliers de bois marquetés ou plaqués, tels que bureaux, guéridons, cabinets, commodes, cartonniers, tables, armoires, secrétaires, bonheurs-du-jour, bahuts, bibliothèques, etc. Ils sculptent également, tournent, cirent et vernissent. Les interventions se déclinent selon la destination du bien culturel, portant soit sur la structure – restauration fondamentale – soit sur l’esthétique. »

« L’ATELIER DE RESTAURATION DE TAPISSERIES assure la préservation des collections de tapisseries murales, de sièges et de tapis à points plats appartenant au Mobilier national, allant du simple dépoussiérage jusqu'aux restaurations approfondies. Les interventions peuvent être de conservation ou de restauration, suivant la nature, l’état et la destination de l’œuvre. Dans le premier cas les parties détériorées sont stabilisées en adaptant un point de conservation maintenant les fils de chaîne, tout en créant une illusion chromatique. La lisibilité de l’œuvre est ainsi rétablie. Le second consiste à recréer le tissage comme à l’origine dans les zones lacunaires. L’atelier de restauration de tapisserie du Mobilier national est celui qui compte le plus grand nombre d’agents installés sur deux sites : Paris et Aubusson. »

« L’ATELIER DE RESTAURATION DE TAPIS traite, plus particulièrement, les tapis de la Manufacture de la Savonnerie. L’usage des tapis entraîne des usures ou des cassures qui peuvent provoquer des lacunes ou des déchirures. La restauration consiste le plus souvent à reconstituer la structure (chaînes, trames) des parties dégradées sur l’envers du tapis, puis à retisser le velours en utilisant le nœud ghiordès, point d’origine turc, sur l’endroit du tapis à l’aide de laine aux couleurs appropriées pour reconstituer les éléments manquants. Les matériaux employés sont d’origine végétale et animale et les restaurateurs utilisent des aiguilles courbes plus ou moins fines. Des interventions de sauvegarde peuvent être directement pratiquées sur les lieux où sont déposés les tapis. Les restaurations fondamentales pratiquées en atelier peuvent durer plusieurs années. Sur les tapis patrimoniaux destinés aux expositions, l’atelier utilise des techniques de conservation qui visent à stopper les dégradations et à stabiliser les éléments originaux restants. »

« L'ATELIER DE MENUISERIE EN SIÈGES restitue le bois en volume, le sculpte et tourne des fûts de sièges ainsi que des éléments mobiliers. Il a en charge des meubles en bois massif peints, vernis ou dorés comme les lits, les torchères, les écrans de cheminée, les consoles, les paravents, souvent richement ouvragés. Outre l'intervention sur les bois, le menuisier en sièges suit les travaux de sculpture, de dorure, de polychromie (peinture à la colle, laque) et de vernis, impliquant d’autres spécialités et confiés parfois à des ateliers externes. Il travaille en étroite collaboration avec l’atelier de tapisserie d'ameublement. »

« L’ATELIER DE TAPISSERIE D’AMEUBLEMENT restitue les garnitures piquées en crin de cheval des sièges, selon les techniques traditionnelles des XVIII e et XIX e siècles, à l’image de l’évolution du goût et des styles. Ceci implique une adaptation des formes et des volumes de garnitures sur les fûts. Son champ d’action s’arrête aux œuvres des créateurs de la première moitié du XX e siècle, les façonnages en mousse et l’usage de produits synthétiques se substituant ensuite aux matériaux traditionnels. Il restitue également les décors textiles par l’usage de retissage de soieries et de passementeries, en cohérence avec le style et l’histoire du meuble. Il conserve également les garnitures et décors d’origine, lorsque ceux-ci sont encore présents sur les fûts. Cet atelier, complémentaire de celui de tapisserie décor, utilise souvent les mêmes textiles. Il travaille en étroite collaboration avec l’atelier de menuiserie en sièges. »

Photographie ci-dessous : Installation photographique d'Olivier Roller.

Du 26 mars au 5 avril 2015 le magazine AD présente dans les salons du Ministère des Affaires étrangères et du Développement international la cinquième édition de AD Intérieurs avec des oeuvres de plusieurs créateurs de mobiliers français.

Il a été demandé à cinquante sélectionnés d'exposer chacun trois pièces inédites et significatives de leur univers.

Personnellement je n'y ai trouvé aucune inspiration. Selon moi la plupart des objets sont même 'moches'. J'ai juste été un peu amusé par les gros ballons lumineux en hélium. Quant aux salons, je ne sais pas de quelle époque ils sont, mais je ne les ai pas trouvés de bon goût, juste un peu pompeux. Je ne dis pas cela pour critiquer, mais simplement pour ne pas décevoir les personnes qui lisent ce blog ayant les mêmes affinités esthétiques que moi, afin qu'elle ne se déplacent pas pour être dépitées.

Cependant l'entrée est libre, et pour certains cela vaut le détour (se munir d'une carte d'identité) … surtout si on s'intéresse à cette forme d'art contemporain que l'on appelle le design.

Jouy-en-Josas fête Christophe Philippe Oberkampf (1738-1825), fondateur de la manufacture des toiles de Jouy dans cette ville (voir ici le programme). La photographie a été prise près de chez moi, à Paris, dans la rue Oberkampf.

Les expositions au Grand Palais à Paris sont généralement importantes par le nombre d'oeuvres mises en scène. Celle qui se déroule du 25 mars au 13 Juillet 2015 sur Velázquez ne déroge pas à la règle. Plus de cent tableaux de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660) ou de peintres de son époque y sont présentés. Il s'agit d'une « rétrospective complète » de l'artiste espagnol « depuis ses débuts à Séville jusqu’à ses dernières années et l’influence que son art exerce sur ses contemporains. Elle se donne en outre pour mission de porter les principales interrogations et découvertes survenues ces dernières années, exposant, dans certains cas pour la première fois, des œuvres récemment découvertes (L’Education de la Vierge [New Haven, Yale Art Gallery] ; Portrait de l’inquisiteur Sebastian de Huerta [collection particulière]). »

Le parcours est bien balisé. On commence avec l'entrée de Diego Velázquez, à l'âge de douze ans, dans l'atelier du peintre et théoricien Francisco Pacheco (1564-1644) à Séville, dont des œuvres sont exposées ainsi que certaines de son disciple. En 1617 il épouse sa fille. À Madrid il découvre le caravagisme que des peintures de différents artistes et de lui-même mettent en valeur, et compose ses premiers portraits officiels. En 1623 il est nommé peintre du Roi. En 1630 il se rend en Italie. De retour il se met au service des ambitions de Philippe IV, roi d'Espagne de 1621 à 1665, composant de nombreux portraits royaux de lui et sa famille, en particulier de son fils Baltasar Carlos (1629-1646). C'est alors qu'entre en scène Juan Bautista Martínez del Mazo (vers 1605-1667) dont de nombreuses peintures sont exposées, en particulier dans la dernière partie. Celui-ci est aussi l'élève de Francisco Pacheco, puis le premier assistant de Diego Vélasquez, dans l'atelier duquel il entre en 1631, et dont il épouse une des filles en 1633. Protégé par son beau-père il intègre la cour du roi. Le second voyage du peintre en Italie a pour objectif l'acquisition d'oeuvres antiques et modernes pour les réaménagements voulus par Philippe IV à l’Alcázar. Durant cette période il exécute notamment le portrait du souverain pontife et ceux de plusieurs membres de son entourage, dont la plupart sont exposés. À son retour en Espagne en 1651, il reprend les portraits royaux. Il est aussi à la tête d'un large atelier « dont la tâche principale est de dupliquer les portraits royaux à partir d’originaux ou de prototypes fournis par le maître ». L'exposition se termine par des œuvres de peintres influencés par celui-ci et en particulier de son gendre, avec en épilogue deux autoportraits de Diego Velázquez et une grande de ses huiles sur toile non achevée intitulée Cheval blanc (1634-1638).

Assurément Velázquez marque un tournant dans la peinture occidentale. Je ne peux m'empêcher de faire la comparaison avec l'exposition sur François Premier que j'ai vue hier. D'abord par le grand espace offert à la première et l'exiguïté accordée à la seconde. Ensuite le nombre important de journalistes invités au Grand Palais et le petit nombre à la BNF. Et puis la peinture, avec d'un côté des portraits de François 1er d'une finesse de détails incroyable, notamment dans les tissus, alors que chez le peintre espagnol on a l'impression que la dentelle est peinte presque au couteau. J'exagère bien sûr ; et ce n'est pas le seul à son époque à peindre ainsi. Mais son oeuvre me semble plate, sans relief, même si, comme on peut le lire dans le dossier de presse, « Depuis l'Italie, il réussit à emplir d'atmosphère ses compositions, à faire circuler l'air autour de ses modèles ». Évidemment je n'y connais pas grand chose en peinture.

Première photographie de gauche : Vénus au miroir de Diego Velázquez. Huile sur toile de vers 1647-1651, de 122,5 x 177 cm. Londres, the National Gallery. © The National Gallery.

Photographie de droite : Portrait de l’infante Marguerite en bleu par Diego Velázquez datant de vers 1659. Huile sur toile de 127 x 106 cm. Kunsthistorisches Museum, Vienne. © Kunsthistorisches Museum, Vienne.

Photographie de gauche : Huile sur toile de 34,3 × 40 cm représentant L’Infante Marie-Thérèse par Diego Velázquez et datant de vers 1652. New York, The Metropolitan Museum of Art. © The Metropolitan Museum of Art, dist. Rmn-Grand. Palais / Malcom Varon.

Cela faisait longtemps que je n'étais pas rentré dans la partie du Grand Palais où se déroule l'exposition. J'ai été choqué d'y retrouver ce que j'appelle de l'architecture RER. Si la façade de l'entrée par l'avenue du Général Eisenhower est d'origine, typique 'fin de siècle' (fin du XIXe), l'intérieur est devenu entièrement contemporain, avec ses escaliers roulants et son béton. Trop de vieux monuments français sont ainsi dénaturés partiellement ou presque totalement (voire totalement) à l'intérieur. En passant devant l'Hôtel Crillon (XVIIIe siècle) de la place de la Concorde, qui depuis quelques années est en travaux bien cachés derrière des bâches, comme l'Hôtel Lambert (XVIIe siècle) ou l'Hôtel Tubeuf (XVIIe siècle : site Richelieu de la Bibliothèque nationale), je me suis à nouveau posé la question de savoir ce qu'on peut bien faire dans ces monuments pour que cela nécessite autant de temps et des grues sans cesse en mouvement : des escaliers roulants, des garages avec ascenseurs pour limousines, des supermarchés, du Jean Nouvel ... ?

Photographies ci-dessous que j'ai prises ce matin à l'extérieur et l'intérieur de la partie du Grand Palais où se trouve l'exposition Velázquez. Dedans il n'y a aucune référence au XIXe siècle, pas une oeuvre d'art, pas une rampe d'escalier d'époque … mais de l'architecture RER froide.

Ce qui est inscrit dans l'image ci-dessus c'est « Continuez votre visite à la librairie-boutique ».

L'exposition sur François 1er se déroule à la Bibliothèque nationale de France (BNF) du 24 mars au 21 juin. Ce n'est pas une grande exposition, comme le sujet pourrait le présupposer, mais elle met en scène de beaux et émouvants témoignages de la vie de ce roi.

François 1er (1494-1547) est roi de France de 1515 à 1547. Cette manifestation est donc la première à fêter les 500 ans de l’accession au trône de ce roi. 1515 est aussi la date de la fameuse bataille de Marignan qu'il remporte et marque le passage de la renaissance italienne vers la française.

Lieu oblige, cette exhibition donne la part belle aux beaux livres avec de nombreux manuscrits illustrés, ouvrages imprimés et une partie consacrée aux reliures nouvelles s'inspirant du travail italien. À cette époque, l'Italie est la référence en matières d'arts décoratifs et beaux-arts. La France ne se contente pas de demander à Léonard de Vinci (1452-1519) de l’honorer de sa présence, elle importe de ce pays  beaucoup d'artistes et artisans qui amènent avec eux leur savoir-faire et y fondent de nombreuses manufactures.

François 1er est un mécène et un protecteur des arts et des lettres. C'est aussi un bâtisseur passionné par la nouveauté. Il fait reconstruire le Louvre, le château de Saint-Germain-en-Laye, celui de de Fontainebleau etc. Il met en scène la royauté avec panache, organisant de magnifiques fêtes. C'est dommage que l'exposition ne mette pas plus en avant cette Renaissance française. La présence de nombreux manuscrits illustrés donne à l'ensemble un goût 'médiéval'.

La scénographie de la BNF débute avec l'enfance du roi jusqu'à ses fiançailles. Elle se poursuit sur le prince guerrier et diplomate. Au milieu de cette seconde salle, une impressionnante armure lui appartenant, dévoile sa hauteur (entre 1,98 et 2 m.), de même que l'épée qu'il portait, qui entame le parcours et est particulièrement grande. La troisième partie présente des portraits du roi. La suivante est sur l'exercice du pouvoir, puis la vie de cour, les lettres, la religion.

Photographie de gauche : « Armure de guerre et de joute du roi François I er. Fer forgé, repoussé, ciselé, gravé et doré. Hauteur : 2.04 m, largeur : 0.65 m. Poids : 20.6 kg. Musée de l’Armée. »

Photographie de droite : « Jean Clouet, François Ier, roi de France. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)/ Hervé Lewandowski. »

Photographie ci-dessous : « François 1er, « Doulce mémoire », dans La Fleur de poésie françoise, recueil joyeux [...] Paris, Alain Lotrian, 1543. BnF, Réserve des livres rares. »

Les photographies suivantes ont été prises dans l'exposition :

Photographie ci-dessous : « Maître de Philippe de Gueldre, Le Compas du Daulphin, vers 1505-1506. »

Photographie ci-dessous : Armure devant un relief représentant une bataille.

Photographies ci-dessous : François 1er. Atelier de Joos van Cleve. C. 1530-1540. Première version. Paris, Musée Carnavalet, P. 2214. Ce portrait du roi est, je trouve, émouvant. Il donne une idée de l'esthétique masculine de l'époque, avec ses contrastes marqués, entre : la rigidité de l'habit et la finesse du linge, le raffinement des détails vestimentaires et la virilité du visage, la rigueur de la tenue et la délicatesse de la peau etc.

Photographie ci-dessous : Salamandre couronnée provenant du bas d'une page du Traité de Clyo : épître de Charles VIII à François Ier (1519) de Jean Thénaud. BnF, département des Manuscrits.

Si vous n'avez toujours pas contemplé les fameux grands globes de Louis XIV (voir ici), c'est le moment de profiter de cette exposition pour aller les voir, à quelques mètres de celle-ci, dans la BNF. Une petite présentation les accompagne.

La RMN (Réunion des Musées Nationaux) ainsi que tous les autres musées de France (sauf le Centre des Monuments nationaux voir ici) n'ont rien programmé l'année dernière pour les 800 ans de la naissance du roi Saint Louis. Cette année la RMN propose une exposition sur Les Tudors, du 18 mars au 19 juillet 2015 au Musée du Luxembourg ! Celle-ci est organisée en partenariat avec la National Portrait Gallery de Londres.

La dynastie des Tudors a régné sur le trône d’Angleterre de 1485 à 1603. 113 oeuvres sont exposées dont 56 peintures, avec des portraits dont certains mettent particulièrement en évidence le maniérisme européen et l'affectation de l'époque, avec ses habits corsetés, à crevés, richement parés, avec d'immenses fraises … aussi bien en Angleterre, qu'en Espagne, Italie ou France. Il existe notamment de nombreux portraits de la reine Elisabeth Première, dont certains exposés ici, composés à son époque, où elle est peinte habillée et coiffée de manière particulièrement exubérante, à la mode d'alors, baignée par l'euphuisme, mot venant du grec ευϕυης qui signifie 'élégant', 'de bon goût' ; terme dont l'écrivain et dramaturge anglais, John Lyly (Lilly ou Lylie) (v. 1553-1606) met en vogue. C'est le nom qu'à la fin du XVIe siècle en Angleterre on donne à un style précieux et à un bel esprit, suivant ou mimant le goût à la mode dans toute l'Europe (voir à ce sujet cet article).

Photographie de gauche : Henri VIII d’après Hans Holbein le Jeune. 1540-1550. 238,3 x 122,1 cm. Huile sur bois. West Sussex, Petworth House, National Trust. © West Sussex, Petworth House, National Trust.

Photographie de droite : Elisabeth Ière, dit « Darnley Portrait » par un artiste des Pays-Bas, de vers 1575. Huile sur bois de 113 x 78,7 cm. Londres, National Portrait Gallery. © National Portrait Gallery, London, England.

Photographie ci-dessous : Elisabeth Ière dit « Le Portrait au phénix » associé à Nicholas Hilliard de vers 1575. Huile sur bois de 78,7 x 61 cm. Londres, National Portrait Gallery. © National Portrait Gallery, London, England.

Photographie ci-dessous : Edouard VI. Portrait attribué à Guillim Scrots (dit aussi Stretes), vers 1547. Huile sur bois de 58 x 68 cm. Warwickshire, Compton Verney. © Compton Verney, Warwickshire.

Le sculpteur Auguste Rodin (1840-1917) possède deux musées, un à Paris et un autre à Meudon. Le second propose du 14 mars au 22 novembre 2015 une exposition consacrée aux photographies de Robert Doisneau (1912-1994) prises de sculpteurs et sculptures intitulée Robert Doisneau, sculpteurs et sculptures.

Je n'ai pas particulièrement d'admiration pour les sculpteurs du XXe siècle, mais j'apprécie beaucoup l'oeuvre de ce photographe qui a su nous faire parvenir des moments magiques de la vie quotidienne : amoureux, enfants, Jacques Prévert, scènes de comptoir, de rue etc.

Photographie de gauche : « Fonderie Rudier, 1950 (Penseur sorti de sa gangue), tirage argentique moderne, © Atelier Robert Doisneau. »

Photographie ci-dessous : « Intérieur de La Villa des Brillants : la salle à manger. » Musée Rodin de Meudon.

La Biennale internationale du design de Saint-Étienne, qui se déroule du 12 mars au 12 avril 2015, a pour thème cette année Les sens du beau. Le sujet du beau couplé à celui des sens est, je trouve, intéressant.

Pour l'occasion, MGgalerie, galerie stéphanoise spécialisée dans les arts décoratifs du XXe siècle, présente une exposition intitulée Et lux fuit ! Design : Lumière sur le Beau. Le titre en latin est à saluer, redonnant un peu de beauté classique à notre univers culturel. Le catalogue de cette exposition est visible ici.

L'École nationale des chartes organise à Paris, le mardi 17 mars à 17h, une conférence de Jean-Pierre Babelon intitulée Nélie Jacquemart-André, une grande collectionneuse et un grand mécène.

Le Musée des Arts décoratifs et du Design de Bordeaux est du 20 février au 18 mai 2015 à L'Heure du souper ou l'art du bien manger aux XVIIe et XVIII siècles, une exposition ayant pour objectifs de faire l'histoire du souper et d'évoquer l'évolution des arts de la table, du 'service à la française', des 'grands soupers' et des 'petits soupers', des grands cuisiniers, des théories culinaires ...

« Cette exposition vise à retracer, à partir des collections du musée, l’évolution des manières de table, des modes et des comportements alimentaires aux XVIIe et XVIIIe siècles. » « Présentée dans les collections permanentes du musée, au sein des salons 18e de l’hôtel de Lalande, [elle] traduit également la volonté du musée de développer ses recherches et ses activités autour de la thématique des arts de la table, depuis le XVII siècle jusqu’à l’époque contemporaine, et dans les différentes acceptions de cette notion : les objets destinés à la préparation des repas, ceux réservés au service et à la consommation, les typologies d’objets en fonction des époques, des pays, etc. »

Photographie de gauche : « Détail de la table de la salle à manger de l'hôtel de Lalande. © Photo Lysiane Gauthier, musée des Arts décoratifs et du Design, Bordeaux. »

Photographie de droite : « Ensemble de saupoudreuses à sucre du XVIIIe siècle. © Photo Lysiane Gauthier, musée des Arts décoratifs et du Design, Bordeaux. »

L'exposition Les Emblemata de Johann Theodor de Bry se poursuit au Musée de l’Œuvre Notre-Dame de Strasbourg jusqu'au 29 mars 2015, avec « quarante gravures d’une série rare de Johann Theodor de Bry [1561-1623], les Emblemata Secularia, présentées ici pour la première fois au public ».

Les emblemata ou livres d’emblèmes sont des ouvrages illustrés de gravures 'parlantes', dont les symboles et leur agencement forment un discours, compréhensibles seulement pour ceux qui en ont les clefs si un texte ne les accompagne pas. Ces oeuvres sont très populaires en Europe aux XVIe et XVIIe siècles.

Le premier exemple de ce type semble être Emblemata de l'Italien Andrea Alciato (1492-1550), dont la première édition serait de 1531, et qui fut réédité plus de cent fois avant 1620 (en Italie, France, Allemagne et Pays-Bas).

Photographies : « Johann Theodor de Bry, Emblemata saecularia, « ARTE MEA CEREBRUM NISI SI SAPIENTIATOTUM » (« Que par mon art mon esprit tout entier ne soit que sagesse») eau-forte, 1596. » © Musée de l’Œuvre Notre-Dame de Strasbourg.

Du 12 février au 9 mars le Jardin des Plantes, Muséum national d’Histoire naturelle, présente une exposition d’orchidées d’Asie dans ses grandes serres intitulée : Mille & une orchidées d'Asie. Je n'ai pas encore eu le temps de venir la voir, mais c'est un très joli thème.

« Dans un magnifique écrin végétal composé de plus d’un millier de plantes tropicales les visiteurs sont invités à découvrir cette année les orchidées. Riche de 7 000 espèces, le continent asiatique vénère la beauté de cette fleur symbole de pureté, de raffinement, de fertilité et d’érotisme. Un somptueux décor sous la voute de verres irisés de la serre des forêts tropicales plongera le public dans une myriade de phalaenopsis suspendues sur des cannes de bambous.

Les orchidées d’Asie issues de la collection des 1 000 espèces « sauvages » conservées par le Muséum dans les serres de l’Arboretum de Chèvreloup près de Versailles sont aussi présentées au public.

Le jardin botanique de la Ville de Paris est invité à la manifestation. Quelques-unes des orchidées extraites de ses collections extraordinaires gardées aux serres d’Auteuil sont dévoilées au public.

Quatre producteurs français (AM Orchidées, La Cour des Orchidées, Ryanne Orchidée et Vacherot & Lecoufle) créent quatre scènes d’orchidées où ils mettent en valeur dans des décors naturels des plantes exceptionnelles.

La bande son de l'exposition est réalisée par Duncan Pinhas, qui a composé pour cet évènement une musique sensorielle, de méditation, traversée par des sons organiques et environnementaux. Elle produit un dépaysement sonore qui dialogue avec la beauté des orchidées et leur lieu d ́origine, l’Asie.

La musique, en suspension, est composée d'un jeu de résonance sur cymbale, bol tibétain et guitare et également de traitements électroniques qui offrent au public un déploiement de sons lumineux rappelant l'éclosion de la fleur.

Cette exposition est l’occasion d’un voyage en Asie dans le monde des orchidées au milieu des plus beaux exemplaires extraits des collections publiques parisiennes et privées des meilleurs producteurs français.

Avec l’appui de l’Association Française, Culture et Protection des Orchidées (AFCPO) et de la Société Française d’Orchidophilie (S.F.O.). »

Je rappelle au passage qu'il existe plusieurs variétés d'orchidées qui poussent à l'état sauvage en France. Celles-ci sont peu impressionnantes mais jolies. C'est toujours une fête d'en rencontrer sur les chemins champêtres. Voir les articles Le mois de mai et Le mois de juillet.

Photographies : © F-G Grandin MNHN.

Le Musée Marmottan Monet (Paris) présente du 12 février au 5 juillet 2015 une exposition sur le thème de La Toilette et La Naissance de l’Intime réunissant des œuvres emblématiques du XVe siècle à aujourd’hui,

Celle-ci se découpe naturellement en deux parties : avant et après la Révolution. Il est impressionnant de voir la différence entre ces deux époques de la représentation de la toilette. On passe d'un espace précieux de sociabilisation et de sociabilité, à un autre beaucoup plus pauvre, fermé, avec une présence plus prononcée de la chair et, au XXe siècle, de corps complètement déstructurés (dans les oeuvres choisies de Picasso, Fernand Léger etc.).

Mais la première partie est très intéressante. Les oeuvres sont pertinentes avec des chefs-d'oeuvre de peinture, quelques livres et gravures aussi, sans parler d'une tenture du XVIe siècle. Il manque cruellement de meubles et d'objets de toilettes qui sont souvent d'une très grande beauté. J'en ai personnellement répertoriés cent-quatre-vingt-huit (liste évidemment non exhaustive).

Comme le savent ceux qui suivent mon blog et mon site, le sujet de la toilette m'est très cher.

Voir par exemple :

La Toilette d'apparat des XVIIe et XVIIIe siècles ;

La Toilette (cette page mériterait que je l'actualise, ce que je n'ai pas fait depuis des années) ;

Le Jeu des apparences et du style au XVIIIeme siècle ;

La toilette masculine : l'art du rasage ;

La Mode et l'Hygiène : les bains publics, la propreté, le linge blanc, les appartements de bains de Louis XIV, baigneurs et étuvistes, les baignoires, les hygiénistes … ;

La Toilette galante de l'Amour, 1670 ;

Une coquette avant et après sa toilette ;

Le teint en représentation ;

Artiste peintre en visages ;

Fauteuil à coiffer du XVIIIe siècle ;

Une histoire de la coiffeuse ;

Une table de toilette du XVIIIe siècle ;

Coffres de toilette ;

Coffres, coffret et boîtes de toilette ;

Objets de la toilette ;

Objets de toilette Haute époque ;

Edits de Louis XIII imposant aux français une mode plus sobre ;

Le boudoir ;

La coquette, le jeune abbé coquet et l'abbé de Pouponville ;

La journée d'une dame au début du XVIIIe siècle ;

etc.

Photographie de gauche : « Anonyme (École de Fontainebleau), "Portrait présumé de Gabrielle d’Estrées et la Duchesse de Villars au bain", Fin du XVIème siècle - : Huile sur toile, 63,5 x 84 cm, Montpellier, Musée Languedocien, Collections de la société Archéologique de Montpellier, © Musée de la Société Archéologique, Montpellier, France / Giraudon / Bridgeman Images. »

Photographies ci-dessous : « Pays-Bas du Sud, "Le Bain, tenture de la vie seigneuriale", Vers 1500 - : Laine et soie, 285 x 285 cm, Paris, musée de Cluny - Musée national du Moyen Age, © RMN Grand Palais (musée de Cluny - musée national du Moyen-Âge) / Franck Raux. »

Photographies ci-dessous : « Abraham Bosse (d’après), "La Vue (femme à sa toilette)", Après 1635 - : Huile sur toile, 104 x 137 cm, © Tours, musée des Beaux-Arts. »

Photographies ci-dessous : « François Eisen, "Jeune femme à sa toilette", 1742 - : Huile sur bois, 36,5 x 27,3 cm, Abbeville, Musée d’Abeille, © RMN-Grand Palais /Thierry Ollivier. »

Photographies ci-dessous : « François Boucher, "Une dame à sa toilette", 1738 - : Huile sur toile, 86,3 x 76,2 cm, Collection particulière, © Image courtesy of P & D Colnaghi & Co, Ltd, London. »

Lors du vernissage de l'exposition, une journaliste a posé la question à Georges Vigarello (à l'origine de cette exposition avec Nadeije Laneyrie-Dagen) de savoir comment il envisageait le rôle de la toilette dans le futur, comment la voyait-il évoluer ? Personnellement je pense que l'on doit prendre conscience aujourd'hui que la toilette du corps n'est pas suffisante, mais que celle de l'âme est aussi nécessaire.

Dans la collection permanente du musée il y a une tenture (tapisserie de laine et de soie) de France du début du XVIe siècle (entre 1508 et 1514) représentant l'histoire de Sainte Suzanne qui aurait très bien pu s'intégrer à cette exposition. Elle est d'autant plus intéressante qu'on y voit une dame s'habiller (enfiler une manche), et prendre un bain dans une fontaine au dispositif ingénieux. Voir ci-dessous.

Ceux qui ne connaissent pas le Musée Marmottan Monet doivent aussi prendre le temps de visiter l'exposition permanente. D'abord le lieu est très beau : l'hôtel particulier étant en partie d'époque Directoire et décoré dans ce style avec des objets d'époque. Ensuite il y a diverses collections avec des enluminures et autres chefs-d'oeuvre du Moyen-âge et de la Renaissance, une collection d'époque napoléonienne, des peintures du XVIIIe siècle, de très nombreuses du mouvement impressionniste dont la plus grande collection au monde de compositions de Claude Monet.

La Grande Galerie de l'Évolution du Jardin des Plantes (Muséum national d'histoire naturelle) à Paris présente, du 11 février 2015 au 21 mars 2016, l'exposition Sur la piste des grands singes.

Celle-ci nous immerge dans l'univers des grands singes (deux espèces de chimpanzés, deux espèces de gorilles et les orangs-outans), d'une façon qui intéressera grands et petits, nombre d'éléments éducatifs étant placés à la hauteur des plus jeunes.

Elle est en cinq parties. La première présente les six espèces de grands singes sous l’angle de leurs caractéristiques morphologiques, avec de nombreux animaux naturalisés (on disait autrefois empaillés), ce qui est tout de même morbide. On s'aperçoit que nombre de ceux-ci sont en danger d'extinction. On découvre le Microcèbe mignon, le Galago élégant, le Gibbon à favoris blancs, le Tamarin empereur (qui est tout petit avec de magnifiques moustaches), le Maki vari roux …

La seconde partie se consacre à l'évolution des hominidés, famille de primates dans laquelle se trouve en particulier les grands singes et les humains … sans doute aussi le yéti … Les confrontations des squelettes, notamment des hommes et des singes, permettent de se faire une idée de cette mutation, ou plutôt de la source qui nous est commune.

La troisième section de l'exposition retrace l’histoire des connaissances sur les grands singes depuis le XVIe siècle, soulignant « le rôle majeur que le Muséum a joué dans cette aventure scientifique à travers des pièces remarquables issues de ses collections ». Quelques témoignages anciens sont ici exposés (aussi bien scientifiques que populaires), mais surtout des reproductions. On peut déplorer que beaucoup de ces dernières remplacent les estampes originales, alors que cela aurait été une bonne occasion d'éduquer le regard des enfants à notre patrimoine. Mais l'exposition Singeries au Cabinet d’Histoire permet de découvrir, du 11 février au 11 mai 2015, « les précieuses collections documentaires (vélins, gravures) du Muséum sur les singes. » Je n'ai pas pu la voir encore. D'autres manifestations sont organisées comme une exposition de photographies en accès libre sur les grilles de l’École de Botanique du Jardin des Plantes, du 11 février au 10 mai 2015.

Dans la quatrième portion c'est le plongeon dans la forêt au milieu de singes naturalisés, d'écrans ou 'volent' ces primates majestueusement d'arbre en arbre etc., en suivant le parcours d'explorateurs de cette faune majoritairement pacifique et végétarienne. Ces explorateurs sont les deux commissaires principaux : la primatologue Sabrina Krief et l’ethnologue Serge Bahuchet du Muséum national d’Histoire naturelle où les grands singes font l’objet d’une recherche très active et d’une approche pluridisciplinaire. L’exposition présente leurs toutes dernières découvertes et travaux scientifiques.

L'ambiance chaude et tropicale est subitement abandonnée dans la cinquième partie beaucoup plus froide physiquement, montrant une apocalypse où des hommes polluent, pollution s'étendant toujours, empiétant largement sur la forêt.

On finit en montant un escalier placé sous le squelette immense d'une baleine de la Grande Galerie de l'Évolution. On a l'impression de nager en dessous, ce qui est assez impressionnant.

Je crois que cette exhibition réussit dans ses objectifs principalement didactiques, scientifiques, ludiques et moralisateurs.

Quand j'étais enfant, j'avais une peluche que j'appelais Chita, comme l'amie (sœur de lait) de Tarzan. Plus tard j'ai appris que 'Chita' en sanscrit signifie 'compassion'.